Otra grieta en el muro

Refused - The shape of punk to come (1998)

2007-02-04T19:59:00.000+01:00

Tengo que reconocer que hacer este comentario es una simple excusa para escuchar de nuevo este disco, y no al contrario. Una auténtica delicia, imprescindible, para los amantes del hardcore pero también del rock en general. Porque este disco es mucho más que hardcore...

Estos suecos, (Dios, los bendiga) comenzaron en otro sello mítico sello tu-pa tu-tu-pa de los 90, Burning Heart (de donde salieron grupos míticos del melódico noventero como Millencolin y No Fun at All). Pues desde allí reinventaron el hardcore tal como lo conocíamos y lo fundieron con diversos estilos como el jazz o el techno (hasta ahí ya tiene mérito) pero lo más increíble fue la manera de hacerlo. No se que coño se tomaron estos cuatro y el productor a la hora de hacer este disco, pero seguramente cuando lo terminaron se les tuvo que quedar cara de “Jooooder como suena esstoo” (pero en sueco, claro).

El grupo, es bastante crítico con el mundo en que vivimos, las letras suelen atacar ferozmente el modo de vida capitalista (la cosa va de rojos, ahora que me doy cuenta que la última reseña que hice fue de sus compatriotas Randy) y casi todo en ellos, desde las letras hasta su estética (todos visten en plan mod) me recuerda a la generación beat. Fijáos si no en la portada, todo muy artie.

En The shape of punk to come, su último álbum, (snif), todos los temas son temazos con mayúsculas, te guste el hardcore más o menos, te rendirás ante la grandeza de las composiciones. Las guitarras suenan super potentes, la batería es exacta, nada recargada, con lo que el sonido es mucho más clásico, (nada de super-redobles de diez segundos) y la voz es simplemente sobresaliente.

Esta vez no voy a reseñar los temas uno a uno, porque es un disco que merece ser escuchado entero, como unidad. Tan sólo destacar que el tema Summerholidays vs Punkroutine me parece un adelanto de lo que escucharíamos en la banda que formaron estos genios tras la separación de Refused: The Internacional Noise Conspiracy (de los que ya comentaré algo más adelante, porque tambien tienen un mandao…). Riff antológico.

En resumen una obra cumbre del hardcore de los 90 (y uno de mis discos favoritos de la decada, aunque Alexander Miles no lo conocía xD). Para terminar, sólo comentar que el disco fue reeditado en 2004 junto a un DVD que aunque no he tenido la ocasión de ver, debe ser algo incendiario.

Cephalic Carnage: Exploiting Dysfunction (2000)

2007-02-04T12:50:00.000+01:00

Chiflados... retorcidos... psicóticos... esquizoides... Con estas palabras (y otras, siempre que tengan que ver con cuadros de patologías mentales severas) podríamos describir la filosofía musical de esta caterva de tarados que se hacen llamar a sí mismos "Cephalic Carnage". Ya desde su primer "Conforming to abnormality" nos indicaban qué era lo que les alegraba el día, brutal death, noise y sarcasmo a raudales. Exployting Dysfunction sólo es la culminación de años de trabajo en la sombra y el underground más under y más ground.

El disco abre con "Hybrid", que mezcla momentos pesados de trash con el clásico garrulusmo anárquico del brutal americano y prosigue "Driven to Insanity", tema corto donde se emplean con toda la velocidad y cafrismo que son capaces. "Rehab" y "Observer to the obliteration of Planet Earth" son otras dos obras estructuralmente muy complejas, donde pueden meterse samplers, momentos de jazz y bosanova y violencia... mucha violencia. Ya con esto debería quedar claro de lo que van, pero uno no es capaz de imaginarse la cantidad de florituras técnicas, riffs, subidas y bajadas y otros detalles que se le avecinan. Es raro encontrar en uno de los temas un recurso repetido, y eso que el cd tiene hasta 66 cortes. Estos recursos llegan incluso a la propia estructura del cd. El corte 5 se titula "On Six", que se encuentra en el sexto corte, mientras que en el cinco hay una breve introducción de batería haciendo blast beat (lo que este tío hace en la caja con una sola mano).

Esa es la tónica que toma el disco de ahí en adelante... la de lo impredecible. Así, "9' de Smoke" es un corte instrumental, "Warm Hand on a Cold Night" es casi una introducción (por su brevedad) a "Invertus Indica (The Marijuana Convictions)"... "Exploiting Dysfunction" cierra el disco (teóricamente, son 66 cortes y este es el 15) donde destaca la final sucesión de filigranas de John Merryman a la batería.

Nos encontramos ante una de las obras más importantes del naturalmente desconocido por razones obvias brutal death americano. Por originalidad, complejidad, técnica, diversión y cafrismo... y porque puedes notar que los tíos se lo están pasando bien haciéndolo, es un disco que requiere de una escucha atenta. Cuesta encontrar discos donde cinco tíos no te vendan canciones prefabricadas, sean buenos músicos (Lenzing a la voz es uno de los mejores vocalistas de su subgénero, como también lo es John Merryman) disfruten con lo que hacen y te den un disco donde cada momento es una nueva experiencia.

A veces me pregunto qué pasaría si a esta gente le diera por emplear su talento en hacer música más comercial. Siempre me digo lo mismo: perderían su encanto. No deja de ser un triste consuelo. Su mayor defecto es ese, que o estás acostumbrado a escuchar gruñidos como voces (dudo que pueda ser capaz de distinguir más de 30 palabras de un disco de casi una hora de duración, y las letras son un tochaco tremendo) y riffs enrevesados, o no lo disfrutas ni aunque te prometan una semana con 20 actrices porno a tu elección. No nos engañemos: la culpa la tienen ellos por capullos y por "true".

El sueño de Morfeo: El sueño de Morfeo (2005)

2007-02-03T12:00:00.000+01:00

Cuando llegó a mis manazas este disco homónimo de El Sueño de Morfeo, una especie de The Corrs con más guitarras y menos gracia que los irlandeses (y con una vocalista que está menos buena que Andrea Corr, lo primero que dije fue: "No puede gustarme. ¿Pop, rock y gaitas? ¡Venga, hombre...!". Procuré tragarme todos mis prejuícios, pulsé el Play y empezó a sonar.

El disco comienza con “Somos aire”, tema donde las guitarras toman el peso y las gaitas empiezan a pulular como mariposas, con floreados, virguerías y petulancias varias… Suena mejor “Ojos de cielo”, donde las guitarras eléctricas no tienen tanto protagonismo y donde los arreglos de cuerda y flauta quedan maquillan mejor el tema. “Okupa de tu corazón” es una canción más acelerada, tiene una irrupción de guitarra eléctrica pegadiza en un tema cuya entrada es lamentable y el resultado final queda bastante comercial.“Rendida a tus pies”, por el contrario, es simplemente horrenda. Desde el principio hasta el final, pasando por los arreglos, la letra...

He vuelto aquí buscándote
Donde te deje la última vez
Me prometí no volverte a ver
Pero esta noche he vuelto a caer
Rendida a tus pies
Sabes bien lo que quiero, oh oh
Sabes bien lo que he venido a buscar
Sabes perfectamente que ya no puedo escapar, ahh

Y después suena “Okupa de tu corazón”… ah, no, perdón… suena “Hoy me iré”. Disculpen, no había notado la diferencia entre un tema y otro. Ambas son iguales en idea y estructura (con la misma entrada de guitarra).

Aburrida resulta “Esta soy yo”, especialmente por la letra: una niña gilipollas que se niega a aceptar lo patética que es a los ajenos. Como no puede ser de otro modo, un servidor acaba de los nervios…

Dicen que soy una foto en blanco y negro
Que tengo que dormir más
Que me puede mi mal genio
Dicen que soy
Una chica normal
Con pequeñas manías que hacen desesperar
Que nos e bien
Donde esta el bien y el mal
Donde esta mi lugar

“Nunca volverá” es la canción con la cual llegaron a la fama, aunque si en lugar de esta canción hubieran elegido como single “Somos aire”, no habría habido diferencia. Esto mismo ocurre con “Cosas que dirán”, calco mal disimulado de “Esta soy yo”, y “Puede”, canción que podría ser la cuarta parte de “Okupa de tu corazón”. No hay porque extrañarse, es lo que hay en cualquier disco, cuatro o cinco temas fumables y dos o hasta tres copias de las anteriores.

Los últimos temas son “A paso de tortuga”, una canción progre que se pregunta porqué la gente va estresada en su vida normal (curioso, cantado en una banda que te hace más de cien conciertos en el país para presentar el álbum) y “Amor de sal”, balada en la que se recuerda nostálgicamente un polvo echado en una playa.

Aunque se trate de un disco previsible, sin detalles que llamen la atención, es fácilmente masticable. Puede que la gran virtud es que tienen un estilo y un modo de hacer las cosas fácilmente reconocible. Veremos si su futuro disco tiene algo más interesante que decir que este primero.

Randy - You can´t keep a good band down

2007-01-16T19:45:00.000+01:00

¿Quién no ha pasado por una etapa punki? Si vale, los jevis levantaran la mano airados y dirán “bah, tres acordes”. Pero aparte de ellos, supongo que casi todos. Yo al menos si la tuve. Y me avergüenzo. Pero hay momentos que me da por reivindicarla, que cojones.

Me encontraba yo el otro día rebuscando en el armario algún disco antigüillo para recordar tiempos mejores y por pura casualidad me topé con este You can´t keep a good band down de los suecos Randy.

Me puse a rememorar cuando y cómo había llegado a mis manos y recordé haberlo comprado con un lote de discos punks baratos (a unas 1000 pelas creo recordar, allá por el 99). La artífice de tan suculento precio, la mítica Locomotive Records, que no se si sigue existiendo pero que en su momento dio a conocer grupos bastante interesantes (escandinavos sobre todo).

Para comprarlo hube de superar el tremendo rechazo que me provocó su horrorosa portada (realmente poco afortunada, es que llama la atención por lo mala).

En su momento me pareció un disco correcto, hiper-pegadizo (no lo escuché demasiado, pero recordaba bastantes estribillos) y la verdad es que lo puse y me alegró el día. Y es que este disco tiene algo curioso: en mi opinión deja las mejores canciones para el final. Es cierto que las primeras son la más tipo single, pero los temas que más me gustan de este disco están al final.

También cabe reseñar la carga política del disco (en ese aspecto en plan sus compatriotas de The Internacional Noise Conspiracy) tono que no abandonarían en su siguiente disco, a mi entender más flojo y repetitivo. Supongo que una de las cosas que me gustan de este disco es que las canciones son muy variadas, tanto en la temática como en lo musical, no se hacen nada repetitivas.

Hay temas curiosos, como The Exorcist, (me encanta la letra, en serio), ¡repasa las tres entregas del exorcista! Además puedes entenderla (con un mínimo nivel de inglés) sin recurrir al libreto, cosa que se agradece.

Me And The Boys es uno de los mejores himnos cerveceros (con permiso de los Murphys) que he escuchado. (Supera a la archirrepetitiva Bro Hymn).

Por ejemplo también Randy I Don't Need You, donde una guitarrilla jazzie nos introduce en este tema en el que nos cuentan como un fan les acusa de haberse vendido por cobrar por su merchandise. Ellos explican que “no son Peter K, Emma, Gandhi ni Marx reencarnadados en una banda de punk rock y que, a su pesar y en cierto modo también forman parte de esa endemoniada maquina de hacer dinero que es la música”. La letra, como casi todas, sincera y comprometida. Y el estribillo mola, ¿no?...

En definitiva, un disco agradable de escuchar con una birra en la mano y con colegas. He dicho...

Foo fighters: The colour and the shape (1997)

2007-01-06T00:22:00.000+01:00

(Nueva reseña hecha por Dylan Carson.)

Foo Fighters han sido una rara avis en el panorama musical contemporáneo. El batería de una mega-banda, como fueron Nirvana, se saca de la manga, en un sello independiente y en solitario (o casi, no lo tengo claro), ese disco lleno de temazos llamado Foo Fighters allá por el 95. Y el disco resulta ser un éxito de crítica y público.

Hasta ahí, bueno, se admite, tampoco es excepcional (aunque si nos ponemos a revisar carreras posteriores de miembros de megabandas veréis a que me refiero). Pero de ahí a convertirse en uno de los grupos más prometedores de los 90 con este The colour and the shape va un trecho. Sólo unos pocos elegidos podrían hacer algo así, y se ve que en Nirvana no había sólo un genio, porque ahí estaba Dave Grohl, esperando su oportunidad.

Y es que The colour and the shape, es una serie de temazos tremendos gracias a los cuales ahora podemos decir ahora de otras bandas “Eh, suenan mucho a Foo Fighters!”. No es fácil a las alturas que estamos crear un sonido propio, sobre todo con la gran calidad con la que supieron hacerlo los fighters. Lamentablemente creo que el grupo alcanzó el cénit de su carrera con este disco, porque ninguno de sus discos posteriores me han dejado un sabor de boca ni parecido, llegando al punto de que hoy por hoy me parecen un grupo bastante monótono, que se salva sólo por un directo potente, lleno de fuerza y de temazos, pero sin demasiadas ideas nuevas (véase la especie de unplugged ese que se han sacado, que aburre a las piedras). Pero vamos al disco que nos ocupa.

¿A qué suena este disco? Pues lo cierto es que es un bastante variado, supongo que principalmente a rock alternativo noventero, pero con con guitarrazos setenteros, trallazos punkies/hardcore y ramalazos emo. La producción de Gil Norton es esmerada, aunque sin pasarse como en discos posteriores (¿se nota que me decepcionaron?).

A destacar Monkey Wrench, uno de los singles más memorables de la segunda mitad de los 90, el Smells like teen spirit de Foo Fighters: caña, Dave Grohl desgañitándose, guitarras afiladas, estribillo pegadizo… ¿alguien da más?

Hey Johnny Park!, uno de mis temas favoritos de la banda: y ese riff brutal… temazo con mayúsculas.

My Hero, uno de los temas más celebrados de la banda. Se dijo por ahí que podía ser un homenaje a Kurt Cobain, aunque parece ser que no es así… Pero el tempo, la guitarra que no da tregua, el puntito grunge, el video… lo convierten en auténtico clásico inolvidable.

Everlong, ¿alguien no recuerda el mítico videoclip de esta canción? Impresionante tema, épico, extraño desde el comienzo. Muy bueno.

Walking after you, es el baladón del disco. Generalmente este tipo de canciones me dan arcadas, pero es que en este jodido disco todo suena bien. Y una vez más, gran tema. Bravo por los Foo´s!

En resumen, The Colour And The Shape es un disco, variado, potente, y para mí, como para muchos, el mejor de su irregular carrera. En definitiva, viendo que Foo Fighters fueron capaces de todo esto, es una pena que después empezaran a sonar hipercomerciales unas veces, y como QOTSA descaradamente otras (que no esta mal, pero cuando tienes estilo propio, da penilla). Trato de no menospreciar sus discos posteriores, en los que encuentro buenos momentos, pero me resulta difícil porque me parece que no le llegan a la suela a esta impresionante colección de temas rock.

Imprescindible.

Belinda: Utopía (2006)

2006-12-14T17:59:00.000+01:00

¿Ves esos pájaros? ¿Les oyes cantar? ¿Y ese amanecer en la playa? Sí, con esa actriz porno que tan buena está y con la que no dejas de hacer cosas... Mientras saboreaz una deliciosa tostada de tomate triturado natural (no enlatado) y queso y jamón fundido fundidos... Justo después de haberte acabado de leer el Pirómides de Terry Pratchett, sonando de fondo el Segundo concierto para piano de Rachmaninoff...

Definitivamente, el último disco de Belinda ha conseguido un gran éxito en el género de evasión... de evitar escuchar este disco, quiero decir. Nunca pensé que pudiese desarrollar mi imaginación a tales niveles. Un poco más y llego al Nirvana con tal de que mi cerebro dejase de prestar atención a esa aberrante cadena de estímulos. Es capaz de dejarte apenas tres frecuencias auditivas y provocar tal degeneración neuronal en la corteza prefrontal que quedaría como la que tienen los psicópatas.

Belinda ya había intentado atrofiarnos el cerebro y dejárnoslo tal y como lo tenían los neanderthales con un primer álbum simplemente aberrante. Todavía me hecho las manos a la cabeza -de dolor- cuando escucho su Lo siento, por no hablar de la colaboración de Andy y Lucas...

(Venga, Alexander... no se trata de un ataque de pánico... respira hondo y todo irá bien...).

Ahora, vuelve a merecerse la condena y prohibición por la Organización Mundial de la Salud con su nueva colección de... canciones que componen este Utopía... Belinda ha ganado en dos cosas desde su anterior crimen musical: en tetas y en voz, y al menos una de ellas hay que reconocérselo como mérito. Me refiero a la voz... ahora es capaz de hacer gorgoritos con los agudos. El problema es que si te hacen cantar gilipolleces con una música hortera, pues como que da igual que tu voz haya mejorado. Es como si Pavarotti se dedicara única y exclusivamente a cantar rancheras.

Cuando uno empieza a escuchar el disco puede llegar a pensar que sus productores quieren de ella una especie de Hillary Duff, Britney Spears o cualquier otra petarda de esas con buen cuerpo para adolescentes. Se trata de "Utopía", el tema que abre el disco y que no deja de ser la balada con inicio pop pero hecha con un mínimo de sensatez y un estribillo mínimamente serio, y a Ni Freud ni tu Mamá... con un aire pop rock de diseño donde empiezan a desbordar los momentos Spanglish con las que tiende a aterrorizarnos:

Sacame del aire...
No puedo respirar...
Somos Diferentes...
Necesito un break...
ooohh baby no me lo puedes dar

Acto seguido, se rompe la evolución del disco (de más suave a más dura) con See a little light, una balada en la que nos hace dos demostraciones portentosas de cantar un inglés hortera con repetidos gorgoritos agudos horteras, como si quisiera demostrar algo -¿lo hortera que es?-.

A partir de ahí las canciones van de los altavoces de tu equipo al interior de tu craneo como si fueses con 7 Bombais bebidos del tirón desde el bar a tu casa con estribillos, paridas, melodías carentes de cualquier interés... que si me salves (Bella Traición), que si no te necesito (Contigo o sin tí), que si hay otra (Alguien más), que si me gustaría estar contigo (¿Quién es feliz?)... En ese momento puedes sentirte una persona desdichada por tu perder el tiempo con semejante mediocridad de álbum. En realidad, puedes sentirte afortunado.

En cinco canciones hay tres infumables cortes que no tienen perdón de Dios... Las otras dos son baladas donde la nostalgia y el desamor no aportan nada nuevo a lo escuchado anteriormente (una de ellas es la versión en español de See a little night).

Noche Cool se describe con su letra...

Me ves llegar en mi Lamborghini
y te derrites cuando te miro así
entre la gente que viene y que va
te encanta mi olor
y quieres volar
aunque te creas, así me gustas más
mi corazón hoy se quiere arriesgar
porque yo soy el sol que le falta a tu balcón

Lo heavy va a empezar
no hay tiempo de esperar
es una noche cool, para ti, para mí
ya no lo pienses más
déjate llevar.

Como también se describen Good good, esta como si fuese una lamentable versión del I'm a Slave for you del Britney Spears...

Sabes muy bien que tu
Mirada me puede enloquecer
Y sabes también que nuestro amor es como un juego de ajedrez
Puedes ganar o puedes perder
Y te quiero tener todo el tiempo en mi destino en el vino y el café
No te pienso perder eres mi good good babe
Sabes que yo soy la sangre que recorre cada espacio de tu ser
Hago que tu corazón haga bom bom oh
Eres mi good. good; mi good. good
Eres mi good. good; mi good. good
Good good good good good good
Good good good good good good

Y Never enough...

where is my dog
my louis vuiton
my christian dior
where is my car
my guzzi dress
my private jet
where is my house
oh not just a house
my lovely mansion in saint-tropez

... Canciones que te ponen hasta las narices y con unas ganas de que se acabe indescriptibles... Si es que tienes una necesidad imperiosa de aguantarla (véase porque tu novia es un analfabeta musical o hayas hecho una apuesta donde los beneficios -que te cancelen la hipoteca- sean superiores a los perjuícios).

Lo único que puedo pedirles es que no intenten hacer esto en su casa...

Escucharlo.

Tom Waits: Mule Variations (1999)

2006-12-13T13:18:00.000+01:00

Nota: Abrimos este pequeño rincón para que nuestro nuevo colaborador, Dylan Carson, publique su primero de sus (esperemos) muchos posts.

Para los que no conozcáis nada de la obra de este californiano, sólo deciros que debéis liberaros de prejuicios antes de escucharlo. Su voz es simplemente… ¿cómo describirla?… imaginad a alguien que lleve haciendo gárgaras con cristales y clavos durante treinta años y os haréis una idea…

No deja de sorprender que fuera Epitaph (el sello que inundó de “tu pa tutu pa-tu pa tutu pa” la mitad de la década de los 90) el que editara en 1999 este CD (en lugar de Island el sello habitual hasta entonces del artista de Pomona). Mule Variations nos devuelve al Tom Waits mas folk y experimental, retorcido a ratos, pero menos furibundo que en anteriores trabajos.

Se nota que el disco ha sido grabado en un rancho: casi puedes ver el polen flotando a través de los rayos de sol y escuchar el viento a través de las plantas de algodón. El disco bebe claramente del blues, del folk y de la música tradicional sureña americana. La mayor parte de las canciones están co-escritas con su esposa y musa Kathleen Brennan. Merece la pena, si me lo permitís, analizar, una por una, las canciones de este gran álbum:

El primer corte es la inclasificable Big in Japan. Cuando la escuché por primera vez (en un recopilatorio de Epitaph) pensé “¿Dios Mío? ¿Qué es esto?”. Ese riff, esa cadencia… Esto es chulería y lo demás son memeces amigos…

I got the style but not the grace
I got the clothes but not the face
I got the bread but not the butter
I got the winda but not the shutter
But I'm big in Japan I'm big in Japan But heh I'm big in Japan

Lowside of the road nos evoca las polvorientas y solitarias carreteras del sur de Estados Unidos.

The moon is red and your
Dancin real slow
29 miles left to go
The chain momkeys
Help you with your load
You're rollin over to the
Lowside of the road

La emotiva Hold on, que da ganas de hacer cosas buenas por los demás, podía ser perfectamente banda sonora de un anuncio de Cruz Roja. Y esto no lo digo en sentido peyorativo, ni mucho menos, porque viendo las canciones que utilizan para muchos anuncios, utilizar ésta sería un avance comparable al Renacimiento en Europa.

Get behind the mule, perfecta para tararear mientras caminas con un petate al hombro al borde de una carretera. Si tenéis la oportunidad, probadlo…

La escalofriante What´s he building? es la ineludible “rayada” del álbum. Porque en todo disco de Tom Waits que se precie hay un corte bizarro (es una especie de marca de la casa, igual que Tool meten la típica “marcianada” en todos sus discos). Os aseguro que andar por la calle borracho a las 5 de la mañana escuchando este tema es algo digno de experimentar, (como ver Blade Runner fumado).

He has no children of his
Own you see... He has no dog
And he has no friends and
His lawn is dying... and
What about all those packages
He sends. What's he building in there?

La resacosa Cold Water. No podréis quitaros de la cabeza el poderoso estribillo Well I woke up this morning. With the cold water. With the cold water. With the cold wateeeer.

Os parecerá estar despertando en un motel de carretera de esos de camas que vibran y Biblia en la mesilla.

La nostálgica House where nobody lives nos hace recordar esa casa abandonada en las que (casi) todos hemos entrado de niños preguntándonos como serían las personas que vivieron allí y por qué se marcharon.

There's a house on my block
That's abandoned and cold
Folks moved out of it a
Long time ago
And they took all their things
And they never came back
Looks like it's haunted
With the windows all cracked
And everyone call it
The house, the house where
Nobody lives

Pony es un nostálgico ejercicio de lirismo, con ese estribillo que dice “espero que mi pony encuentre el camino a casa”. Impresionante la sensibilidad de este hombre, algo fuera de lo común.

La desconcertante Black Market Baby, cuyo estribillo es sencillamente inquietante:

She's my Black Market Baby
She's my Black Market Baby
She's a diamond that
Wants to stay coal
Wants to stay coal

La desquiciada Eyeball Kid, (cuya percusión me recuerda a la época de Swordfishtrombones), retoma ese sonido casi circense, de freak-show, tan característico de otros de sus trabajos anteriores.

Picture in a frame es una hermosa canción de amor recuerda a los tiempos del Closing Time: un piano y la voz de Waits que se convierte en un susurro en un local vacío.

Chocolate Jesus, posiblemente la canción más sureña que haya hecho Waits, parece estar cantándola encaramado en una rama sobre el Mississipi. La letra una vez más, impagable:

Don't go to church on Sunday
Don't get on my knees to pray
Don't memorize the books of the Bible
I got my own special way
Bit I know Jesus loves me
Maybe just a little bit more
I fall on my knees every Sunday
At Zerelda Lee's candy store
Well it's got to be a chocolate Jesus
Make me feel good inside
Got to be a chocolate Jesus
Keep me satisfied

Georgia Lee es un panegírico sobre una mujer asesinada (no se si real o no). Como no podía ser de otra manera es la canción más amarga del disco y parece reflejar impotencia ante la muerte de una buena persona.

Why wasn't God watching?
Why wasn't God listening?
Why wasn't God there for
Georgia Lee?

Filipino Box Spring Hog es la canción mas bluesera del álbum. Una canción poderosa, cantada con mala leche, llena de matices en todos los instrumentos.

Take it with es lo más parecido a una balada del álbum. De nuevo un piano y la voz de Waits.

Come on up to the house a mi me suena como la canción más épica del disco. Un digno broche final.

En definitiva, para mí un disco redondo (uno más, y ya van unos cuantos desde 1973) de este genio que espero que nos siga brindando obras tan grandes como esta. Imprescindible.

The Killers: Hot fuss (2004)

2006-12-06T16:33:00.000+01:00

Si quieres disfrutar de un buen disco y comprobar el empaque que tiene un grupo, lo que tienes que hacer es escucharlo del tirón, sin cortes, bonus tracks o versiones remezcladas o cambiadas. Este tipo de cosas tendrían que estar escondidas, en un archivo secreto o algo así. En caso contrario estaríamos hablando de un disco adulterado, como si hubiesen echado azucar al vino. Me explico:

Tratando de comparar si la época del James Bond de Sean Connery fue mejor que Casino Royale, la última película de la saga protagonizada por Daniel Craig, me ha pasado algo bastante curioso. Justo cuando me disponía a ver "007 contra el Doctor No" (película obtenida de un modo tan evidente que lo omitiremos), resultó que en realidad me había descargado una película llamada "La muerte sonríe al asesino", protagonizada por... ¡Klaus Kinski! También recuerdo un disco que, ya sin recordar qué buscaba, resultó tener un montón de canciones revolucionarias (la Internacional, el Himno de Riego, etc). Tengo pendiente la reseña.

Algo así me ha pasado con "Hot Fuss" de The Killers, aunque en este caso haya sido por cambiar la peor de las canciones por otra que resultaba mucho más estimulante. Básicamente, han cambiado Change Your Mind por Indie Rock & Roll... ¿Qué cómo lo sé? Pues porque gracias a Youtube he podido comparar ambas... y aunque me quede con la segunda, no tengo más narices que reconocer que no es lo mismo... Es como si se hubiesen cargado una de las canciones sobrantes del "Oral Fixation, vol. 2" de Shakira (que las tiene) y la hubiesen cambiado por el Hips don't lie (la cual, dicho sea de paso, también es infumable y evidencia la mediocridad del disco, si bien es más rentable comercialmente). No obstante, y siendo lo suficientemente mayorcito, espero haber captado la esencia original de "Hot Fuss".

El disco abre con Jenny Was A Friend Of Mine, una canción más que curiosa gracias a la insinuante línea de bajo que dirige la canción y que Brandon Flowers, cantante y teclista del grupo, intenta cargarse mediante el uso de unos recargados teclados. Afortunadamente, no lo consigue. Prosigue con Mr. Brightside y Smile like you mean it, dos de las mejores canciones del álbum por el halo de melancolía que encierran (la primera), bien en las letras, bien en la música (la segunda). Después llega Somebody told me, un intento de canción bailable con letra divertida...

Breaking my back just to know your name
Seventeen tracks and I've had it with this game
I'm breaking my back just to know your name
But heaven ain't close in a place like this
Anything goes but don't blink you might miss
Cause heaven ain't close in a place like this
I said heaven ain't close in a place like this
Bring it back down, bring it back down tonight
Never thought I'd let a rumour ruin my moonlight

Well somebody told me
You had a boyfriend
Who looks like a girlfriend
That I had in February of last year
It's not confidential
I've got potential

Dejemos el necesario (por razones comerciales) single alegre del disco para ir a lo mejor, All the things that I've done, una canción que se inicia cual si fuera la típica canción nostálgica sobre cosas que te pasan en la vida pero que cambia de ritmo y prosigue con un "I got soul, but I'm not a soldier. I got soul, but I'm not a soldier..." como genial coro haciendo de interludio para el final de la canción. Fantástico.

Si tuviese que definir la esencia del disco en una palabra (y teniendo en cuenta el cambio de canción), quizás agridulce sería la que más se aproximara a lo que desprenden las canciones en su conjunto. El resto de canciones siguen también la línea normal, esto es, la naturalidad -entiéndase como "buenas melodías, con las notas puestas en el sitio que les corresponde"- con intentos de hacerlo demasiado barroco por las zarpas de Brandon Flowers en los teclados. On top suena más que bien, así como Midnight show. Las canciones menos buenas serían la ya mencionada Change your mind (una canción que casi se carga esa mencionada esencia, casi tanto como Somebody told me) y la noséporqué decepcionante Everything will be alright, canción que recuerda algún tema de Annie Lennox de los 80 y que cierra el disco.

The Killers intentan hacer lo mismo que muchas bandas de indie pop rock... y les sale mejor en muchas canciones que a la mayoría. Siempre y cuando al señor Brandon Flowers no le dé por recargar las canciones con innecesarios y desbordantes sintetizadores, hay muchas probabilidades de que la canción te acabe gustando y repitas. Esto pasa en el primer single de su siguiente álbum... y así, es una gozada.

Helloween: Better than raw (1998)

2006-10-28T16:20:00.000+02:00

Una de las cosas malas de la edad es que, con ella, adquieres la capacidad de discernimiento suficiente para darte cuenta de que aquello que anteriormente podía ser algo vital no resultaba más que una nueva razón para comportarte como un verdadero imbécil.

Les pongo un par de ejemplos: ¿Quién no admiraba aquellas series de los 80 como El Equipo A o los dibujitos del Coyote y el Correcaminos? Hoy en día me resultaría impensable tragarme que un hatajo de mercenarios anarquistas disparan a fallar para asustar o que la marca ACME no haya sido demandada ante un tribunal por los constantes materiale s defectuosos que proporciona al bueno de la serie de la Warner Bros. Algo así me pasa con este "Better than raw", otro de esos discos que un servidor tenía catalogados como de los mejores que se podían escuchar en mucho tiempo y que los años han demostrado lo malas que son las hormonas para según qué cosas.

Quizás los casos que haya puesto resulten exagerados para describir la obra de la que hablo. El disco no es malo, y tiene algunas ideas que pueden resultar estimulantes... Simplemente quiero decir que el bombo que se mereció en su momento no era para tanto. O tal vez sí, si tenemos en cuenta que por aquella época comenzaba a prosperar seriamente el Power Metal alemán, pero eso sería algo más relacionado con la mercadotecnia que con la música, y aquí no estamos para tales tareas.

Lo más destacable, sin duda, es la incompetencia de Andi Deris para cantar un disco en el que él había compuesto varios temas y al que, en el mejor de los casos, sólo puede alcancar la nota de "suficiente". Esto pasa con canciones como tranquila y melancólica "Time" o la (¿cristiana?, ¿paródica?) escrita en latín "Lavdate dominvm", pero en el tema que abre el disco, "Push", que requiere una voz más "Halfordiana", se ayuda de retoques de estudio sin los cuales no accedería a la necesaria potencia vocal.

Realmente la apertura la hace una instrumental con toques orquestales compuesta por el baterista Uli Kursch, de largo el mejor compositor del grupo. Resulta efectiva y estimulante, a pesar de su "sencillez". Como un buen tiro powermetalero entra la ya mencionada "Push", pero surge otro de los fallos del disco: las letras tontas. Un tema de heavy metal no puede dedicar algo que tendría que sonar como el Painkiller a algo tan penoso como la influencia de la tele...

This is the prime of your lifetime
You see through eyes of someone else
More than the half of your lifetime
Is just a tale in a storybook

Push, enforce your independence
Push your real intention
Face your unconscious addiction
Push your private fiction

Push

Y claro... si en Falling Higher -la que sigue- podemos escuchar cosas como...

Hungry forever since we took a glance
Feared that the world was taken by someone
We realized by the look in your eyes
Metal will never die

Pues como que empieza a tocar las narices. El disco prosigue con "Hey Lord!", un intento de buena canción con resultados positivos (aunque no para lo que podría haber sido) y "Don't Spit On My Mind", donde intentando hacer una canción sobre políticos acaban haciendo aquello que no quieren que les hagan.

Y es aquí donde llega lo mejor del disco: "Revelation", un tema de 8' 21" muy bien estructurado... Para que se hagan una idea, es una especie de "Master of Puppets" al estilo alemán y con más solos de guitarra (compuesta, por cierto, por Kursch y la más distinta desde el punto de vista estructural). Por suerte, la letra también es más que decente...

Bemoan your words
Bemoan your deeds
Repent your thoughts of lies
Attain your sword
Attain your shield
Defend the sense of life
Bemoan your hate
Repent your greed
Improve your rotten seed

Pray for the child
Though born just by a fraud and a whore
Pray for the child
Who won't know what it's crying for

Otro problema que desagrada: lo predecible de las estructuras. A saber: Parrafada, estribillo, parrafada, estribillo, solo, solo, estribillo... y hemos descrito más del 80% del disco. En ese sentido, tiene el problema de que a partir del corte 8, "I Can", el disco tenga un prescindible bajón. Esto se arregla con el buen riff de "A handful of pain", canción que deduzco que trata del abuso de drogas.

El disco acaba con la powermetalera -happymetalera, más bien- "Midnight Sun", la cual tiene una serie de melodías chupiguays en los solos que dan ganas de tirar el disco a la cabeza de Michael Weikath.

Los muy buenos arreglos de producción y el gran trabajo de Markus Grosskopf al bajo ayudan mucho a este disco.

Disco interesante cuanto más se aleja del pop y de las tonterías heavymetaleras.

The Dillinger Escape Plan: Calculating Infinity (1999)

2006-10-26T11:53:00.000+02:00

Hace poco, un amigo me invitó a pinchar en su bar por su quinto aniversario. Cuando el bar abrió, básicamente funcionó (al margen del inmenso esfuerzo y talento de los dos socios o una fiel clientela) con los más de 100 discos que le presté sin ningún compromiso más allá de que me los devolviera algún día. Lógicamente (y con los huevos hinchados de orgullo) acepté, y ahora me encuentro comiéndome el tarro y pensando qué discos voy a pinchar. Desde luego, un servidor tiene claro que no va a poner a estos The Dillinger Escape Plan... aunque por razones distintas a las que en un principio puedan pensar: Son demasiado buenos.

A mi entender, la clave del disco está en las anárquicas estructuras que lo componen (alguien que cobrara por hacer reseñas diría que son influencias del jazz progresivo o del free jazz, pero aquí hacemos las reseñas por joder). Para que se hagan una idea, les diré que el rumor de que esta gente compone las estructuras tirando dados es creíble. No sólo eso, también combinan momentos de hardcore ultraviolento con los más tranquilitos y melodiosos, aunque aquí se prodigan lo justito para estar tranquilito en tu sillón para, de repente, golpearte con un bate de beisbol en el craneo. En realidad, a lo largo del disco estás recibiendo golpes en cada retorcido acorde (el trabajo de Chris Pennie a la batería o la estridente voz de Dimitri Minakakis también ayudan), como si estuvieras recibiendo un golpe de unos "skinheads", y es cuando crees que estás más relajado, en esos breves momentos de descanso, cuando recibes el batazo. El ejemplo más evidente está en el penúltimo tema, "Weekend Sex Change", una instrumental muy tranquila (aunque conviene prestar atención para los detalles) y la cafrísima "Variations In A Cocktail Dress". También saben hacer crecer las canciones en intensidad, como en "The Running Board". No se trataría de la violencia clásica de bandas de Death Metal sino algo que, sin ser más rápido, es más contundente.

Las letras del disco también tienen su peculiar mala leche, como podemos leer en "43% Burnt".

I smell that whore. bring me back. bring me a brick.
Take my bottle and break it. pour it all out. i pushed
You too far. self absorb that pity. i want to knock you
Off your horse. i just feel it, everything is fine. spit on
Yourself, you're so beautiful. crack and chip off like
The sun won't shine down. take your medicine like a
Champ, while that sting can last a million years. self
Absorb that utopia so bad, i just feel it.

El resto de canciones tienen unas letras similares, ayudando a provocar un halo de descontrol, caos y odio sumamente estimulante. Puede que eso sea lo mejor... lo impredecible... lo aleatorio que es. El título del disco hace honor a su contenido.

Pretty Boy Floyd: Leather boyz with electric toyz (1989)

2006-08-03T12:17:00.000+02:00

¿Qué salvaríamos de la década de los 80, en lo que a cultura norteamericana en general se refiere? El otro día estuve viendo Tango & Cash por vez número diecisiete millones pero a una distancia considerable de la última vez... y me pareció un bodrio verdaderamente infumable. Hacía tiempo que no veía una película con tan penoso argumento, con pifias tan lamentables como los de la munición o la división matemática de planos y acciones de ambos protagonistas (Stallone y Russell)... Acto seguido me tragué "Le llaman Bodhi", con Patrick Swayze y Keanu Reeves, cuyo argumento era otro bodrio cuyos efectos en la salud sólo podría diagnosticar el doctor House tras hacer el diagnóstico diferencial con las enfermedades más aberrantes que un médico haya podido describir... diagnóstico que se complica ante la interpretación de Reeves, caso aparte. Parece ser que era del 91... pero todavía no había llegado el cambio de década a las cabelleras de algunos... Palidezco al pensar que estamos haciendo revisiones de los clásicos de los ochenta, como si el mundo ya no huviese nada mejor que contar.

Esto mismo me ha pasado cuando volví a escuchar una cinta de estos Pretty Boy Floyd, en mis tiempos de revientagranos como una de las bandas más interesantes que la década de los ochenta pudo parir. Unas cuantos años más y resulta que son una de las bandas más vulgares y carentes de talento que he escuchado en mucho tiempo. Que ya es decir. Los coros enfermizos, las letras estúpidas, la carencia de una voz decente, los músicos... Nada, absolutamente nada se puede salvar.

Analicemos las letras un poco más detenidamente:

I wanna be with you...

As I was walking out of class
The other day at school
I saw you Don't think I've ever seen you
'Round here before You must be new
What'syour name? Where are you from?
Our conversation's just begun
Maybe we can talk more after school
I know that we just met but maybe
You'd like to let me Go out with you

Uy... no... que esta es la seria...

The last kiss...

Holding your hand. It puts me into wonderland.
I can just drop everything and stay here with you.
Caressing you. The time is running out again.
You know it always seems to end the night. Just as it starts.

It's time to part.

The last kiss is always the hardest one to overcome.
The last kiss is always a lonesome one. It means that love is done.
The last kiss is always the hardest one to overcome.
The last kiss is always a lonesome one.

Leather boyz with electric toyz... Oda al consolador, supongo...

Here we come a rocking like a wall of sound.
Line 'em up Stack 'em up and knock 'em down
Little girls all in a row. Screaming cock rock shock pop
They're dressed like some kind of horror show.
Screaming cock rock. Shock pop. Hey lets go.

We're leather boyz with electric toyz.
We're making noise tonight.
We're leather boyz
with electric toyz.
We're making noise tonight.
We're leather boyz with electric toyz.
We're making noise tonight.
a little louder now.

Naino naino naino...

Nightwish: Oceanborn (1998)

2006-07-15T12:25:00.000+02:00

Los finlandeses Nightwish saltaron a la fama con sus albumes Oceanborn y Wishmaster. Su música es un refrito de lo clasico del power metal europeo al estilo de Blind Guardian y Stratovarius: guitarreo rapido, dobles bombos, voces agudas y tonadillas y estribillos antémicos.

Oceanborn merece una mención especial. Es el sueño humedo de cualquier metalero pop con ganas de sentir el poder de la musica clásica pero sin complicarse la vida. Nada más comenzar el álbum, en Stargazers y Gethsemane encontramos teclados horteras y cambios más elaborados y de mejor gusto que en muchos otros albumes, con un tufillo barroco. Lo sorprendente, la voz operática de Tarja Turunen.

Si, una cantante femenina de estilo clásico era algo inusitado por aquel entonces. Nightwish en cierto modo fue el ‘breakthrough’ comercial metalero del metal sinfónico (1998 es mucho antes que patochadas como Evanescence o Lacuna Coil).

Hay que destacar que –a pesar de la relativamente pesima produccion del álbum- las canciones estan muy bien construidas. No son el colmo de la originalidad, pero los breves puentes que intercalan introducciones con versos y versos con solos y solos con coros suelen tener cierta chicha. Destaca el que no haya un exceso de virtuosismo, un pecado muy común en bandas que tratan de conseguir un sonido barroco (e.g. Stratovarius, que tocan metal de toda la vida y le añaden un solo barroco encima), el sonido clásico de Nightwish embuye toda su obra.

Destaca por su melodicidad la balada Walking in the Air, de la banda sonora de The Snowman. Por su potencia The Pharaoh Sails to Orion, una de las canciones más interesantes de Nightwish. Por su estilo compensado y fácil de escuchar: Sacrament of Wilderness (su primer single en las listas finesas). Por su algarabía folk, Moondance, un instrumental.

En general, un álbum melódico, de tempo épico y coros antémicos. Una simple mezcla de metal moderno y amor por la musica clásica que funciona, y peca de hortera. Pero claro, todos tenemos nuestros días horteras y de buen humor. Y no, Nightwish no es mierda gótica deprimente.

Referencias (videos de youtube):

- Sacrament of the Wilderness (videoclip barato).
- Walking in the Air (en vivo).
- Sleeping Sun (videoclip en condiciones).
- Gethsemane (aparicion televisiva).

Metallica: Kill 'em all (1983)

2006-06-27T13:51:00.000+02:00

Mucha gente piensa que este disco es uno de los mejores discos de la historia de la música metal (perdón, métal), y esto no es necesariamente así. Más bien, pienso que se trata de un disco que abrió muchas puertas dentro de tal escena, que dentro de su género fue un pelotazo y que durante su época fue la repanocha... pero si se escuchan detenidamente las canciones, no son demasiado valiosas fuera de su propio contexto.

Nos encontramos ante un disco que hoy podemos calificar de muy primitivo. Desde el punto de vista instrumental, la voz de James Hetfield suena horrible, la batería de Lars Ulrich es rápida pero pobre, los solos de Kirk Hammet son calcados unos a otros y de Cliff Burton decir que más allá del divertido Anesthesia, lo único que hace es imitar las melodías de guitarra de sus dos colegas. Quizás lo más interesante son las estructuras que utilizará la banda, y cuyo embrión se encuentra aquí (un Master of Puppets no puede haber nacido sin un "The four horsemen").

Pero en aquella época, Metallica eran unos críos, y tienen unas cuantas letras que pasarán como entre las más penosas de las grandes bandas del rock (eh, ¿quién no comenzó así?):

Metal Militia: vamos a por tí...

Chained and shadowed to be left behind
nine and one thousand
Metal militia for your sacrificeiron clad soldiers
Join or be conquered the law of the land
What will befall you
The metalization of your inner soultwisting and turning
On through the mist and the madness
We are trying to get the message to you
Metal Militia
Metal Militia
Metal Militia

The four horsemen: Vamos a por tí...

By the last breath of the fourth winds blow
Better raise your ears
The sound of hooves knocks at your door
Lock up your wife and children now
It's time to wield the blade
For now you have got some company

The Horsemen are drawing nearer
On the leather steeds they ride
They have come to take your life
On through the dead of night
With the four Horsemen ride
Or choose your fate and die

Motorbreath: Somos muy guays...

Motorbreath
Its how I live my life
I can't take it any other way
Motorbreath

The sign of living fast
It is going to take
Your breath away
Don't stop for nothing its full speed or nothing
I am taking down you know whatever is in my way
Getting your kicks as you are shooting the line
Sending the shivers up and down your spine

Whiplash: Oda al headbanging

Bang your head against the stage
Like you never did before
Make it ring
Make it bleed
Make it really sore
In a frenzied madness
with your leather and your spikes
Heads are bobbing all around
It is hot as hell tonight
Adrenalin starts to flow
You're thrashing all around
Acting like a maniac
Whiplash

Lamentablemente, la mayoría de las bandas de trash que les sucedieron se dedicaron a imitar el Whiplash con mayor (Megadeth, Anthrax, Death...) o menor fortuna (nadie quiere acordarse de los perdedores, ni siquiera yo), y así le fue al subgénero en los 90, que salvo estas bandas y alguna más, no hubo quien levantara el género con la irrupción del grunge y del "nü metal". También es cierto que Metallica hizo cualquier cosa menos ayudar...

Links relacionados:
Metal Militia. Gallos de Hetfield incluídos.
The four horsemen. Sin comentarios.
Anestesia + Whiplash. ¿Mustaine? Sí, es que Hammett llegó para grabar el disco...

David Hasselhoff: Looking for freedom (1989)

2006-06-24T16:56:00.000+02:00

Menudo discazo, chavales. Una verdadera joya. Atemporal. Prodigioso. Un talento desconocido para desgracia de la humanidad... Estos y otros maravillosos adjetivos son calificativos que bajo ningún concepto merece un disco como este "Looking for freedom".

A menudo me he detenido intentando pensar qué tenía de especial la música de los 80 para que
las multinacionales estén deseosas de encontrar bandas que consigan enamorar al público como estas lo hicieron. Mi impresión es que desde finales de los 70 se ha ido perdiendo calidad a pasos agigantados para arrivar al nivel de penosa mediocridad que padecemos ahora. Sin embargo, una leve disminución en la calidad de los productos musicales pudo haber hecho que los discos ganaran en comercialidad manteniendo un nivel de calidad más que aceptable, quedando bandas geniales como Depeche Mode. En los años 90, yonkos como Nirvana obtuvieron un enorme éxito de ventas haciendo unos discos de calidad más que discutible. Ahora estamos con Lordi. En este caso, Hasselhoff tiene el dudoso honor que haberse adelantado a su época. Unos quince años, para ser concretos. Las canciones son tan lamentables que casi parece que las hubiese editado un triunfito o, sin arriesgarnos demasiado, una popstar.

El disco contiene una mezcla de pelotazos inigualables, cantados a menudo en varios idiomas (español o italiano), consigue superar los momentos malos con los momentos todavía mucho peores. Quedarán para la posteridad regalos para los oidos como Lonely Is the Night, Sheltered Heart, Je T'Aime Means I Love You o Looking for freedom. Pero creo que la mejor es "Towewo - Te quewo", una canción cuyo estribillo está cantado en el español que se estudia por los montes de Iowa o Utah...

She brings him spanish roses
Cause she can still remember
All of the spanish roses
Her lover gave to her

Torero
Te quiero
Torero
Te quiero

And now he’s just a dream that she used to love
Cause deep inside her heart she’ll hold the memory of
The days she used to watch him as the crowd cheered his name
To the day he lost the battle and they carried him away

Brutal.

Bloc party. Silent alarm (2005)

2006-06-18T20:51:00.000+02:00

Tengo que reconocer que este disco me alegra el día. En principio, estaríamos hablando de temas de pop/punk/rock con algo de enrevesamiento en las guitarras, una voz bastante chapucera y un mínimo talento compositivo de base... Pero no hay que engañarse, así sólo podrían intentar imitar la carencia de gracia de unos Franz Ferdinand... Afortunadamente, este no es el caso, y hay un gran músico de fondo que le da un nervio y una calidad al disco que lo hace mucho más fresco y agradable para el oido. El trabajo de Matt Tong es sencillamente espectacular, recordando al megabrutal bateras de The Police Stuart Copeland. Tampoco debemos olvidarnos del buen acompañamiento al bajo que tiene en Gordon Moakes. Esa es la parte que se parece a The Police... los otros dos guitarras tienen un tufo a Franz Ferdinand que no se lo quitan ni con un camión cisterna de Chanel Nº 5.

Los temas tienen una buena calidad media, no te dan ganas de tirar el disco cuando pasa el ecuador (algo poco recomendable, te perderías el Pioneers y el So here we are). También están muy bien los cuatro primeros temas que abren el disco.

Algunos vídeos:
Banquet.
Helicopter.
Pioneers.
This modern love.

Laura Pausini: From the inside (2002)

2006-06-11T15:12:00.000+02:00

Tras una imparable trayectoria en el mercado italoespañol, la señorita Pausini intentó asaltar el mercado anglosajón con este "From the inside", que fue algo así como un experimento con napalm que le explotó en las manos a ella y a su marca comercial.

Y la verdad es que se lo merecieron bien. No puedes jugar a imitar a hacer lo que se practica en el mundo anglosajón sin ser anglosajón y sin haberlo hecho nunca en tu puñetera vida. Más allá de las más que discutibles cursilerías que suela cantar la italiana, creo que a veces es capaz de deprimir a alguien con alguna canción triste (más allá del penoso nivel compositivo de las canciones, que también). Porque el mayor problema que tiene este disco no son las canciones, ni que la mujer tenga un inglés más que discutible (aunque seguramente le habrán compuesto las canciones), sino porque renuncia al estilo personal que tenía la italiana. Se trata del disco más moderno de toda su carrera.

Cuando escuchas el disco, la primera impresión (I need love) es que se trata de la auténtica Laura Pausini, con sus melodías empalagosas y letras patológicas... pero es entonces cuando suenan Do I dare y Surrender, y todo se va al cuerno. Se trata de cosas que no sabe hacer Pausini, como son canciones pop vivas o de agilidad vocal y con unas letras que te dicen que pretende reducir a la humanidad ... y suenan como el culo. A partir de ahí tienes suerte si los temas te resultan indiferentes. En especial, engendros como You are o Everyday is a Monday, que hacen que tengas que cambiar el disco antes de que tus sesos estallen. Y es que con un poco de suerte te dejas de escuchar I do to be... una aberración musical se mire por donde se mire.

No pongo ni letras ni links para no ser boicoteados por el Ministerio de Sanidad.

Alice in Chains: Dirt (1992)

2006-06-10T20:14:00.000+02:00

Alice in Chains encontraron hueco y salida comercial durante el despegue del grunge. Dirt fue su segundo álbum tras el ya profético Facelift. Estar bajos las anchas y mal definidas alas del movimiento grunge da una mala imagen del actual contenido del álbum. Musicalmente Alice in Chains son interesantes pero sin atrevimientos o excesivos tecnicismos, sus estructuras son sencillas, a veces con pequeñas sorpresas. La voz desgarrada de Layne Staley, los coros con extrañas y únicas armonías y la guitarra sucia de Jerry Cantrell toman el protagonismo durante todo el álbum.

Dirt es un viaje sin retorno, una oda a la desesperación. Pequeñas muestras de estilo, coherentes y sencillas dan este sabor al álbum. Por ejemplo, varias canciones comienzan y terminan de la misma manera, dando un notorio elemento de círculo vicioso a la música: Them Bones, Rain When I Die, Rooster, Junkhead, Angry Chair, Would?... Los ritmos excesivamente lentos -no tanto como para hacer la música excesivamente desagradable, pero lentos-, así como de 2/3 del ritmo que uno esperaría son otra característica de canciones como Junkhead o Would?. Los coros, casi desafinados, se repiten una vez y otra, a veces volviendo sólo para llevar la canción a su comienzo. Las letras, salvo excepciones, tratan de la adicción a la heroína. O en general, de aceptar una adicción que acabará por matarte. A todo esto, el compás 3/4 de Sickman no alegra para nada el álbum.

I can feel the wheel but I can't steer
When my thoughts become my biggest fear

Ah, what's the difference, I'll die
In this sick world of mine

(Sickman)

Dirt está repleto de momentos álgidos. Desde el brusco comienzo del álbum con las guitarras frenéticas y ascendentes (casi un in media res musical) de Them Bones al "I'm down in a hole and I don't know if I can't be saved" chillado por Layne en Down in a Hole, pasando por la entrada del primer coro ululante en la introducción de Rooster, el cambio melódico, casi acústico en 3/4 de Sickman o la guitarra en escala oriental del honónimo Dirt.

La principal pega de Dirt debe de ser su brutal consistencia. Un álbum completo acerca de la adicción y la muerte. Qué más da si me muero ahora o en veinte años, sé que esto me matará de todos modos, nos cuentan todas las letras de Cantrell y Staley. En el caso de Staley, no pudo ser más cierto. Supongo que a fin de cuentas es un buen ejemplo de qué no hacer con tu vida, y en el caso de Alice in Chains, llega a sonar sincero. Si no fuera tan explícito...

Evanescence: Fallen (2003)

2006-05-06T20:13:00.000+02:00

Evanescence es la prueba definitiva de que tocando cuatro acordes en su momento adecuado y teniendo mucha imagen de somos oscuros pero románticos te puedes hacer multimillonario. Le pones tres o cuatro arreglos, haces unos videoclips espectaculares, con muchos efectos especiales... y a vivir de las rentas. Bueno, sí... también es cierto que Amy Lee canta muy bien, pero no estamos para hacerle la pelota a nadie... y tienen algunas canciones que resultan interesantes... Pero tienes que esperar al final del disco, como My last breath o Imaginary. Mientras tanto, a tragar bodrios como Going under, Bring me to live o My immortal. Las letras procuran ser romanticonas y oscurecillas, ideales para quinceañeras con ganas de hacerse las interesantes y disfrazarse de Morticia pero en cutre. Lean sino unas líneas de My last breath...

holding my last breath
safe inside myself
are all my thoughts of you
sweet raptured light it ends here tonight

closing your eyes to disappear
you pray your dreams will leave you here
but still you wake and know the truth
no one's there

say goodnight
don't be afraid
calling me calling me as you fade to black

Los músicos son lo peor que se puede ser: buenos pero sin ningún interés en demostrarlo. Las estructuras tampoco es que sean nada del otro mundo, y en muchas de ellas acaban siendo previsibles. Vamos, que lo tienen todo para limpiarse el culo con billetes de cien dólares a partir de ahora. Afortunadamente, el ultracristiano (de los que daba las gracias a Dios hasta por respirar) y líder de la banda Ben Moody se hartó de sus compañeros y optó por largarse, con lo que el resto de colegas optaron por ganar toda la pasta que pudieron en conciertos y dedicarse a sus cosas. Una suerte, por mucho que digan sus fans.

Clips relacionados:
My immortal.
Everybody's fool.
Imaginary (live).

Kelly Clarkson: Breakaway (2004)

2006-04-29T20:05:00.004+02:00

¿Qué hay en el interior de un agujero negro? ¿Por qué cuesta tanto entender que los electrones pueden mantener un 10% de su materia en un momento del tiempo y el resto en otros puntos alrededor del átomo? ¿Por qué cuando le dices a alguien que ninguna persona puede besarse su propio codo, lo intenta? ¿Qué tiene este disco de Kelly Clarkson para vender ocho millones de copias? Hay dudas que el ser humano será siempre incapaz de resolver.

¿Cómo es el producto que nos vende la señorita Clarkson? Más plano que su escote. No se engañen... la duración de los temas no alcanza los cuatro minutos, con lo que pueden imaginarse cómo acaban las neuronas de tanta estructura repetida. El disco es técnicamente mediocre (en el peor de sus sentidos, el de término medio). Desde el punto de vista vocal, la chica no canta mal del todo, pero uno empieza a cuestionarse de qué sirve hacer gorgoritos cuando las letras y las composiciones son una basura incapaz de transmitir algo que no sea indiferencia o hartazgo (depende del corte que elijas). Y las letras... qué podemos decir... Prescindibles, sin importar el corte. Quizás la que más me llamara la atención sea la de "You found me", que ha sido la que más me ha gustado del album...

You found me
When no one else was lookin'
How did you know just where I would be?
Yeah, you broke through
All of my confusion
The ups and the downs
And you still didn't leave
I guess that you saw what nobody could see
You found me
You found me

Bueno... sí... es un asco... pero es lo que hay... Quizás esa sea su virtud. Sensiblero, directo, sin buenos músicos, simple hasta la estupidez...

Por cierto, el video de "Behind this hazel eyes", lamentable por cursi y predecible.

Pixies: Surfer Rosa (1988)

2006-04-23T18:19:00.000+02:00

Surfer Rosa podría haber pasado desapercibido al gran público si no fuera porque Kurt Cobain lo citara como fuente de inspiración. Es en efecto un gran álbum, cuya única característica general es el desequilibrio.

Un inciso en instrumentación. Francis Black canta, chilla y toca guitarra. Joey Santiago toca una segunda guitarra. Kim Deal añade una voz femenina (sobretodo coros dulces y canta Gigantic). Dave Lovering toca la batería. Destaca Francis Black chillando sobre canciones pop.

Las tres primeras pistas son sencillas canciones de... ¿pop-rock? Bone Machine abre el álbum con una batería cruda a la que se le une un bajo de ritmo poco sorprendente. No es una canción rápida. Se alternan riffs de guitarra distorsionados y acordes limpios. Más que cantados, los versos son hablados. Pero es una canción genial, como ninguna que se hubiera escuchado hasta entonces. Simplemente, no hay nada a lo que pueda comparar Bone Machine. Break My Body y Something Against You beben parcialmente de la misma idea. Son brutales, sencillas, crudas.

Más adelante entramos en la sencillez pegadiza y punk de Broken Face. O cómo meter suficiente caña en un minuto y medio.

There was this boy who had two
Children with his sisters
They were his daughters
They were his favourite lovers

I got no lips, I got no tongue
Whatever I say is only spit
I got no lips, I got no tongue

I got a broken face, uh-hu, uh-hu

(Broken Face)

La temática de las canciones es oscura, a lo Lou Reed, pero sin su estilo de poeta callejero: incesto, voyeurismo, otras no tienen ningún sentido claro. De las anteriores canciones ninguna se podría tocar en una radio comercial, pero a la mitad del álbum encontramos dos perlas pop: Gigantic y Where's My Mind?. Ambas más que válidas y pegadizas. Gigantic tal vez se excede en duración, con repeticiones ruidosas al estilo de la Velvet Underground. El álbum a partir de aquí tiene bastante de relleno. Cactus es ciertamente evocadora. River Euphrates, melódica. Vamos tiene trozos en castellano y mucha "experimentación" sonora. Un poco al estilo de Sonic Youth pero sin terminar de cuajar.

Surfer Rosa es un álbum influyente, clásico, innovador e interesante. Puede resultar molesto las primeras veces, poco producido y cargante. A veces es dulce y evocador. Otras veces es crudo. Es, junto a los buenos álbumes de Sonic Youth, lo más próximo a un experimento fallido. Pero funciona.

Referencias:
Bone Machine -en vivo, moderno-
Where's My Mind? -video-
Broken Face -video-
Gigantic -en vivo, antiguo-

Korn: Follow the leader (1998)

2006-04-21T20:16:00.000+02:00

Tercer disco de Korn. Una pena que tuviesen que estropear unos dos primeros discos con un "remate" que, musicalmente, es mucho más soso y predecible que sus predecesores. Si en los primeros me parecían una música tremendamente original, en este me han parecido una más que discutible mezcla entre Sepultura y Red Hot Chili Peppers sin demasiada chicha.

Los temas van pasando sin pena ni gloria por el cerebro del oyente. Uno escucha el Freak on a Leash o Got the life y se encuentra bien, pero a partir de ahí el disco se repite hasta la saciedad. Los intentos de combinar el hip hop y el metal (como Children of the Korn u All in the family) tampoco salen. Poco a poco, te das cuenta de que, en el fondo, es como si se tratase de una fórmula supertrillada, que aburre pero que te la meten en la cabeza una y otra vez. Parte melódica, parte bruta, parte melódica, parte bruta...

Hasta que le das a Stop.

Chenoa: Chenoa (2003)

2006-04-13T11:41:00.000+02:00

No sé si alguien recuerda aquella nefasta hornada de chavales que, por el hecho de salir en la tele, pensaron que podían tener una carrera musical d éxito e ilusiones. Ver todos sus primeros discos es un ejercicio de nostalgia que, no voy a engañaros, me alegra. No por sus historias personales -no deseo que nadie fracase en la búsqueda de su felicidad, salvo un par de excepciones que no vienen al caso- sino porque demuestra que el éxito no se puede prefabricar ni con cien horas semanales de tele hablando de tí (bueno... ahí tenemos al ricitos de Bisbal, el único que tiene un éxito tal que hará que se le recuerde durante mucho tiempo de todas las generaciones que han pasado por el concurso). Si pudiesemos salvar a otro triunfito -al margen del ya mencionado-, nos quedaríamos con Chenoa.

¿Qué tenía Chenoa para triunfar en su primer disco? El impulso mediático que se había hecho, tanto de ella como de sus compañeros de "promoción". Porque si hablamos de música, composición o voz...

Un mérito sí tiene el álbum, y es que provoca muchas emociones: a lo largo del disco puedes llegar a sentir repugnancia, asco, pavor, vergüenza ajena, dolor de cabeza, tristeza y, finalmente, risas. Lamentablemente, no provoca la indiferencia que debería. Las letras son tan predecibles como infumables y, aunque parezca raro en un disco de pop, es un disco simplón como pocos (el pop podrá ser lo que quieran, pero no podrán negar que no cuidan -y muy bien- los arreglos... algunos, claro).

Cutre y salchichero hasta la nausea, escuchar el disco entero de una tacada sería mérito más que suficiente para que te den una medalla al valor.

Primus: Antipop (1999)

2006-04-12T09:07:00.000+02:00

El disco más pop de Primus.

En primer lugar, el trío siempre se había caracterizado por hacer producciones "diferentes"... pero al invitar a gente que va desde Fred Durst a Tom Waits (pasando por Stewart Copeland, Matt Stone o Tom Morello) a que colaboren en ellas, el disco carece de sabor: Todos lo hacen igual de bien, lo que para la banda es un handicap. Ya tuvimos suficiente con un Rhinoplasty como para hacer más discos normales.
En segundo lugar, al quitarle la gracia de la producción, las composiciones aparentan ser mucho más simples y sin gracia. Y no es que no la tengan. Canciones como "Ballad of Bodacious", "Lacquer head", "Natural Joe" o "Eclectic Electric" son buenas (o muy buenas).
Y en tercer lugar, algunas de las letras son infumables, de esas que le dan a uno la sensación de que, como son los mejores, marcan la ley... una mierda, vaya...

I am the plan, I am the man
who tells you what and when you can.
I'm the old one that torments you.
I am the voice that tells you to:
"Don't get caught with your fingers in my pie. Mess with me and boy you're
surely gonna' die. If ever you're in doubt about who or where I am. I'm here,
I'm there, I'm everywhere. I am your Uncle Sam."

Lo mejor es que, aunque como ya sabes cómo son estos tíos, siempre hay algo de interés... un ritmo, una melodía, un detalle, por lo que merezca la pena una atenta escucha... Y no volver a escucharlo...

Nine Inch Nails: Broken (1992)

2006-04-07T00:07:00.000+02:00

Broken no es un álbum, sino un EP. Broken es media hora de música directa y carnal. En 8 canciones que varían entre el minuto y los cinco minutos, Trent Reznor define el sonido que caracterizaría a Nine Inch Nails has los finales de los 90: entre crudo y sensible, entre electrónica y metal, entre prefabricado y orgánico. Broken es el preludio de la obra maestra que seria The Downward Spiral, y se aleja del oscuro techno-pop de Pretty Hate Machine.

La apertura de Broken es Gave Up. Una batería sintética endiablada que recuerda al March of the Pigs recorre un verso susurrado que se transforma en una explosión de guitarras eléctricas y chillidos durante el estribillo (“it took me you to realize”). Las letras, cercanas al suicidio:

smashed up my sanity
smashed up my integrity
smashed up what i believed in
smashed up what's left of me
smashed up my everything
smashed up all that was true
gonna smash myself to pieces
i don't know what else to do
covered in hope and vaseline
still cannot fix this broken machine
watching the hole it used to be mine
just watching it burn in my steady systematic decline
of the trust i will betray
give it to me i throw it away
after everything i've done i hate myself for what i've become

(Gave Up)

Si las cosas ya estaban mal, se ponen peor cuando volvemos a centrarnos en los nombres de las canciones: Happiness in Slavery. Genial. Nuevamente guitarras electrónicas y tintes industriales. Help Me I’m in Hell es una breve pieza instrumental que nos prepara para el desgarro de Last. Guitarras metálicas increíblemente repetitivas pero atractivas, distorsionadas hasta el límite que diferencia una guitarra de un sintetizador. Eso si, nuevamente una delicia brutal para los oídos. Physical es sexual y metálica. Suave y lenta. Pero lejos de ser una balada. La distorsion de cada nota cruje mientras Reznor gime “you are just too physical, too physical, to me”.

Pinion nos introduce con un crescendo de ruido las dos ultimas canciones de Broken: Suck y Wish. Suck recuerda un tanto al Pretty Hate Machine: bajo pegadizo, sintetizadores, hasta que llegamos al muy distorsionado estribillo. Wish tiene otra batería endiablada y una colección de sintetizadores irreconocibles.

Puede que te guste o puede que no te guste, pero Broken es un álbum personal y distinto (al menos en 1992). Reznor chilla, susurra, gime, hundido en una depresión romántica e irreparable. Su voz a duras penas escapa de entre un elenco de guitarras y sintetizadores, cuyo sonido esta muy cuidado. Broken forma su propio universo de media hora de furia y depresion. Pocas veces se producen obras tan coherentes hoy en dia: Broken no contiene baladas. Tal vez sea lo mas reconocible de Nine Inch Nails. Tanto que pase desapercibido.

Referencias:
Wish -en vivo, Woodstock 1994-
Gave Up -video-
Pinion, Wish y Hurt -en vivo, Japon, 2005-
Happiness in Slavery -en vivo, Woodstock 1994-

Good Charlotte: The Chronicles of Life & Death (2004)

2006-03-18T20:55:00.000+01:00

Con una estética que recuerda malolientemente a la de los Misfits pero en comercial, nos llegan los dilemas existenciales de estos Good Charlotte. El disco es correcto, sin muchas pretensiones desde lo compositivo (aunque sí desde lo monetario) y una carencia de potencia que resulta preocupante. Las ideas que subyacen a las canciones no son malas, pero tienen el problema de la falta de testosterona, de cabreo y de guitarras saturadas que dan ganas de tirar el disco y pisotearlo. La adicción al pop edulcorado es algo que dudo que se quiten ni aunque escuchen Sepultura cuando se levanten. Quizás podríamos salvar del disco In this world (Murder) y alguna más de la que no me acuerde ante el aburrimiento general que genera el disco, aunque insisto: no por falta de ideas, sino por dependencia física de la melodía. Como banda que va de oscura, las letras no pueden invitar a la alegría (aunque lo intenten). Vean sino un fragmento de la letra de In this world...

no matter how hard they try
and no matter how loud they cry
they can't
buy their way into heaven
no matter how hard they try
and no matter how high they climb
up the ladder
they won't reach up into heaven

and make us see
the innocent lives
the poor and the suffering
and in my heart I (two words I can't make out)
do with this murder
and give back the innocent lives
open cages and stop their luxirous murder
its murder .

Esperemos que, tras haber editado el disco, se les haya pasado el enfado con el mundo. Eso sí, creo que no les ha ido nada mal en lo económico: he llegado a escuchar una versión en japonés (¿?) del single "Predictable"... Inclasificable...

Jeff Buckley. Grace (1994)

2006-03-10T20:17:00.000+01:00

Queridos artistas de pop rock actuales:

Sois unos privilegiados. No os imaginais la suerte que teneis. Si Jeff Buckley no hubiese fallecido ahogado por un corte de digestión mientras se bañaba en un río justo cuando comenzaba a grabar su segundo disco y su vida hubiese transcurrido de modo normal, no tendríais a nadie al que venderle siquiera los amplificadores.

Lamentablemente, el universo es infinitamente cruel, y a las desgracias de que miles de niños mueran de inanición, existan horribles guerras o que Mozart muriese sin acabar el Requiem, debemos añadir la vida truncada del señor Buckley. La compañía discográfica apenas tuvo tiempo para conseguir un álbum y salvar unos cuantos directos de la gira que le sucedió, más que suficiente para mostrar el tremendo talento que se perdió en aquel río. No se imaginan la cantidad de dinero que perdió...

Hablemos de Grace, su único álbum de estudio. Diez temas de un rock excelentemente ejecutado por parte de los músicos, muy variado a nivel compositivo (aunque mantiene constante el estilo) y con un Buckley excepcional a la voz, imprimiéndole un sentimiento único, como pocas veces he podido escuchar. Cada uno de los temas es una joya en sí misma, aunque algunas tengan más valor que otras. Hallelujah es la que más fama ha ganado en todo este tiempo, pero otras canciones como Mojo Pin, Eternal fire o Grace no tienen nada que envidiarle. Las letras ayudan a desprender un halo de melancolía que perfecciona el álbum... véase un fragmento de Grace...

It reminds me of the pain
I might leave
Leave behind
And I feel them drown my name
So easy to know and forget with this kiss
But I'm not afraid to go
but it goes so slow

Wait in the fire...

Un disco que merece ser comprado original.

Soraya. Corazón de fuego (2005)

2006-03-01T19:00:00.000+01:00

Iba tranquilamente por la calle, camino de mi casa, cuando pasando junto a un Opencor encontré en el escaparate la foto de esta señorita... Me fijé en sus ojos tan especiales, en sus cabellos dorados como el sol, en sus sutiles y delicados labios y en su precioso y suave cuello... y me dije: "Tío, tienes que hacerte con este disco". No me defraudó...

Demencial. Una persona normal acabaría vomitando toda víscera que tuviese en su interior a la segunda canción. Escuchar la mitad del disco es una tarea que sólo podría encomendarse a los veteranos de guerra más curtidos, los que han visto tantos horrores que han decidido renunciar a su humanidad para seguir adelante. Acabarlo de una sola vez es una tarea para Los Elegidos.

No es una cuestión de que la chica tenga mala voz, que no la tiene del todo. Ni de mal tocado, que tampoco. Es la sensación de que todo está plastificado, prehecho, mecanizado (en el peor sentido), de serie, carente de originalidad, de fundamento, de emoción y de sorpresa. Todas las canciones están dedicadas a... ¿los pobres del mundo? ¿sus emociones más íntimas? ¿al sentido del humor más soez? ¡¡Qué demonios!! Eso es para los sosos carentes de imaginación... ¡Pues al amor! ¿A qué si no, cuando el 80% de las canciones compuestas en la historia de la música están dedicadas al amor? Es que hay pocas, necesitamos algunas más, que todavía no nos hemos enterado del mensaje...

Poco, muy poco se puede salvar de este disco. Previsible, carente de espíritu compositivo, malo en la versión (la de la banda sonora del famoso anuncio de Cocacola Light), poco creíble desde un punto de vista personal, letrísticamente infumable...

Da la sensación inevitable
que acelera mi corazón
Es una reacción incontrolable
lo que tu quieras yo te lo doy
Cómo defender este amor
que me sigue a donde voy
Es cuestión de piel, de pasión, de perder la razón sin explicación...

Me tienes delirando con tu cuerpo
hay tanta química entre los dos
que me estás matando
de deseo
y me derrito con tu calor
Me tienes delirando con tu cuerpo
cuando me tocas ya no se quien soy
me estás desquiciando no lo niego
veneno y fuego hay entre tu y yo

Una gota más en el océano de mediocridad. Eso sí, de ácido sulfúrico...

Amon Tobin: Permutation (1998)

2006-02-28T20:42:00.000+01:00

Puaj, música electrónica. Eso fue lo primero que pensé al escuchar Permutation, de Amon Tobin. Obviamente, “puaj, música electrónica” fue lo primero que pensé al oír Nine Inch Nails por primera vez. Luego, le di otra oportunidad.

Permutation abre con la pista Like Regular Chickens. Nada interesante, baterías con aire jazz completamente alocadas y algunos elementos de melodía cinematográfica. Demasiado artificial, desagradable al oído. No llega a ser lo suficientemente suave como para no prestarle atención ni lo suficientemente especial como para escucharlo. Bridge, Reanimador, Sordid. Permutation va ganando gancho. Aunque el protagonismo lo llevan las percusiones de estilo libre, aparecen y desaparecen sutiles líneas melódicas. Lo habitual en Permutation es un ritmo de contrabajo de jazz y algunos instrumentos de viento.

Cabe destacar que las canciones son completamente instrumentales, y aunque sampleados, los instrumentos tratan de sonar como instrumentos. Las duraciones de las canciones van de cuatro a ocho minutos. Hay un aire retro y lo-fi en casi todas las piezas. No hay abuso de efectos que caracterizan a la mayoría de la música electrónica (techno y house creo que pegarían aquí). Sí hay ruidos y cosas que obviamente son simples, pero no elicitan el vomito (me hace pensar en el intermedio de Sordid, canción que comienza como si fuera una banda sonora y pasa a ser puramente electrónica).

Parece que siempre habría una buena ocasión -un viaje en coche, una cena tranquila- en la que encajar algunas de las canciones mas basadas en el jazz como banda sonora. Nightlife es simplemente dulce. Switch es bailable y desenfadada. People Like Frank es la mejor canción del álbum, y la suma de sus virtudes: instrumentos de cuerda, una línea de contrabajo jazz pegadiza, una batería levemente urbana que se suma a la línea de contrabajo, un suave crescendo de percusiones, la vuelta de los instrumentos de cuerda, algunos puentes y variaciones, y todo vuelve a comenzar; cuando la canción ya se empieza a repetir, toma el protagonismo un solo de batería libre y largo.

O me alegra o me da miedo descubrir que hay un mínimo de música electrónica con gusto. No tan plagada de clichés y sin una búsqueda del efectismo. Lo único que no me queda claro es si Amon Tobin no será muy distinto de escuchar jazz simplón y descerebrado…

La oreja de Van Gogh. El viaje de Copperpot (2000)

2006-02-22T18:40:00.000+01:00

Creo que Iñaki Gabilondo es un periodista extraordinario. Muy a pesar del patético trabajo que está llevando en los informativos de Cuatro, creo que era el mejor periodista de la radio con mucha distancia de sus competidores. A pesar de que no te gustara su ideología, tenía un sentido del tiempo, una pausa y un modo de decir las cosas que me parecen dignas de reconocimiento. Sí, es cierto que a veces tenía momentos verdaderamente bochornosos, o que a veces las voces que le acompañaban daban de dolor de cabeza y soltaban unas memeces que era para darle dos collejas... Pero tenía algo. No sabías si era la voz, la pausa o el conjunto... Pero no quedaba mal del todo... Lo que, cuando se comparaba con la competencia, sentías la sensación de que el tío era una verdadera máquina. Pero tenía un defecto. Un defecto terrible... con el agravante de que era buscado. Tenía demasiada tendencia al acaramelamiento, a empalagar como dos cucharadas de miel a palo seco... de ese caramelo líquido que se te pega en los dientes, e intentas quitártelo, y no te lo puedes salvo que vayas al dentista... Yo creo que La oreja de Van Gogh han escuchado demasiado a Iñaki Gabilondo. Todo correcto, feliz, con una voz impresionante... y con siete tazas de caramelo, hasta el punto que acabas con un dolor de cabeza que no te lo quita ni Gelocatil en vena.

El viaje de Copperpot es el segundo disco de los donostiarras (¡Gaitas! Igual que Iñaki...), y es tan empalagoso, tan "vamos a hacerlo bonito", tan... odioso, que cuesta volver a escucharlo sin que se frunza el ceño. La razón es muy sencilla, tu sistema nervioso se ha condicionado tan rápidamente al disco que tiene perfectamente entrenados tus músculos para emitir arcadas. Vale que Amaia Montero tenga un vozarrón impresionante, vale que sea un disco bien ejecutado, vale que sea un disco bonito y vale que hasta puedan ser la mejor banda de pop de España. Cuesta digerir las letras, y canciones como, Soledad, París, La playa o Pop dan un jaquecazo duro de quitar. Les dejo con las de "Dicen que dicen"...

Caer está permitido, levantarse es una obligación.
Detrás del número cero la luz ya se nos apagó.
Más allá del uno de Enero y con la vista puesta atrás te verás en un espejo con tu futuro detrás.
Y ahora mismo están durmiendo en su cajón cada beso, cada flor cada canción.
Dicen que dicen que anuncian que existe un peculiar vegetal que hace que te rías de la bruja avería como la cebolla hace llorar.
Bajo la luz adecuada todo es mejor.
Lo que hace bello al desierto es que guarda agua en su interior.
Piensa en lo lejos que estaba la luna y lo imposible de llegar allí.
Y ahora con una simple escalera cualquiera puede ir a dormir.
Y ahora mismo están durmiendo en su cajón cada beso, cada flor, cada canción.
No hagas ruido si despiertan es peor desordenan la razón.
Dicen que dicen que anuncian que existe un peculiar vegetal que hace que te rías con de bruja avería como la cebolla hace llorar.
Dicen que dicen que anuncian que existeun peculiar vegetal que hace que te rías de la bruja averíacomo la cebolla hace llorar...

Un campeón llamado Alexander Miles expresó su frustración a los cielos mediante gritos cuando la legión detuvo sus ataques y pidió que se le permitiese seguir luchando. Furioso porque sus compañeros guerreros se habían refugiado cuando aún quedaban enemigos por matar, Alexander tomó un lanzallamas y prendió fuego a las estructuras en las que se habían acantonado sus compañeros Berzerkers y cortó en pedazos a todos aquellos que intentaron detenerle. Caminó por la ciudad en llamas, con su armadura cubierta de sangre brillando de una manera sobrenatural a la luz del fuego, quemando tanto a amigos como enemigos. Mientras las llamas se extendían por cada rincón de la ciudad, la legión empezó a enfrentarse entre sí y contra los Hijos del Emperador para conseguir acceder a los pocos refugios que quedaban en pie. Como un ángel vengador, Alexander Miles extendió un rastro de sangre por las calles de la ciudad en llamas como si fuese la encarnación del Dios de la Sangre.

Grrrr... Gr... Aaaahhhh... Aaahh... Necesitaba desahogarme...

Sonic Youth: A Thousand Leaves (1998)

2006-02-20T23:25:00.000+01:00

A Thousand Leaves es un álbum lento, melancólico, triste y cargado de ruido de belleza insuperable. Pocas bandas le pueden sacar tanto jugo a un sólo acorde como Sonic Youth. Por ejemplo, Sunday, la segunda pieza del álbum es una melodía pop con gancho. Tras una introducción sencilla, limpia, pero con variaciones tonales, el verso gira en torno a un sólo acorde. No hay estribillos. Un cambio marca el final de cada estrofa. El puente vuelve a vararse en un sólo acorde, y entra el ruido, si bien las guitarras sin distorsión eran sucias de por sí, la distorsión aulla y envuelve el único acorde sucio que hay de fondo. Pero, sin razón aparente, el resultado es bello. Obviamente, es monótono, pero cargado de matices, con leves variaciones en cada uno de los instrumentos (tres guitarras y una batería o dos guitarras, un bajo y una batería, dependiendo de la canción).

Cada pista es más larga que la anterior, y se distinguen las canciones más fuertes y ruidosas: Female Mechanic Now On Duty o French Tickler. Por una vez, la mayor fuerza de un álbum está en sus canciones más dulces. Guardan una fuerza inesperada tanto en los crescendos instrumentales como en los bruscos cambios de ruido a melodía. Y no estamos hablando de cambios bruscos al estilo del grunge o del metal. Los cambios de Sonic Youth no buscan un efecto espectacular.

Uno de los momentos cumbre del álbum es la larguísima sección instrumental de Hits of Sunshine. Incluye una guitarra limpia y melódica, una guitarra con flanger o wah y una guitarra con eco (en otras hay una con ruido similar al de un amplificador roto). Entre todas, se construyen y desaparecen melodías tanto disonantes como armónicas, como ebulliendo de un caldo primigenio. Todo a un ritmo tranquilo, relajado, sin prisas (los once minutos de duración de la canción ayudan).

Karen's leaving for the snow
Somewhere to somewhere... blind
She cut the silver lining in my soul
I was tethered to her for a time
are we still together?
(Karen Koltrane)

Es casi imposible elegir una sóla canción, ¿la simplicidad y melancolía de Wildflower Soul o la de melancolía plagada de ruidosos desarrollos sonoros de Karen Koltrane? Tal vez ésta última sea la canción más compleja y molestamente bella de A Thousand Leaves.

Un álbum casi perfecto. Es el desarrollo completo de un sólo concepto: bella melancolía y ruido bello. Sonic Youth realmente sorprende ésta vez, siempre y cuando se tenga la paciencia de escuchar un álbum relajado y diferente.

Therapy? Troublegum (1994)

2006-02-18T10:39:00.000+01:00

Restulta incomprensible que un disco que tiene cinco primeras canciones como cinco ladrillazos en la cabeza decaiga de modo inexorable a unos niveles de calidad tan bajos como el resto de temas que componen este Troublegum.

Durante las cuatro primeras canciones, Knives, Screamger, Hellbelly o Stop It You're Killing Me destrozan toda oposición. Tampoco es que sean el colmo de la elaboración, la técnica y el talento, pero tienen la suficiente conjunción de melodía, frescura y caña como para que te pongas a hacer headbanging... Después llega Nowhere, que como casi todos los grandes pelotazos de la historia de la música, supone no sólo el principio del fin de lo bueno del álbum, sino el fin de lo bueno de una carrera. A partir de ese momento, el nivel de atracción que uno siente hacia el disco se asemeja peligrosamente a la parte de la derecha de una campana de Gauss... Y así, hasta acabar con los 14 cortes...

No nos engañemos: Los recopilatorios de las bandas tienen éxito porque, por lo general, desechan el 75% de las canciones de relleno que tienen los álbumes. Esto no es un demérito especial de Therapy?, sino de la gran mayoría de bandas.

Las consecuencias del relleno en los discos son idénticas a las consecuencias de encontrar relleno en un sostén.

Blur: Parklife (1994)

2006-02-13T13:53:00.000+01:00

Parklife es el álbum que dio a conocer a Blur. Pop bailable con falso acento barriobajero británico. Letras caseras que describen la vida de la clase media baja inglesa y su afición por la cerveza. No podría decir que sea un “nada nuevo bajo el sol”, puesto que Blur al menos lo intentan. Estribillos pegadizos: Boys & Girls, Parklife, Tracy Jacks. Versos que te pillan por sorpresa: Bank Holiday, Parklife. Una canción redonda: Far Out, que no repite ninguna de sus partes. Una pieza instrumental genial: The Debt Collector.

I get up when I want, except on wednesdays,
when I get rudely wakened by the dustmen.
Parklife!

I put my trousers on, have a cup of tea,
and I think about leaving the house.
Parklife!

I feed the pigeons, I sometimes feed the sparrows too.
It gives me a sense of enormous well-being.
Parklife!

And then I’m happy for the rest of the day,
Safe in the knowledge there will always be a bit of my heart devoted to it.

(Parklife)

Mucho mejor que las imitaciones de los Beatles. De hecho, Blur fallan en sus intentos de hacer música lenta y romántica (To The End). Estan en su salsa con los ritmos gamberros y las voces estridentes y ridículas. Cabe destacar la instrumentación, elegida con bastante cuidado, y si bien es sencilla, añade distintos matices y voces a cada canción.

Coldplay. X & Y (2005)

2006-02-08T22:02:00.000+01:00

Nunca juzgues un libro por la tapa. Esto es lo que suele decirse cuando el libro es mucho mejor que la portada que su contenido o cuando la lamentable portada de un disco no tiene nada que ver con el cd que oculta. No tengo palabras para describir semejante portada.

El problema viene ahora con el contenido del cd. En su primer disco, nos encontramos con una frialdad y un minimalismo inusitados en la música pop actual, si exceptuamos esa nota de color que es "Yellow". El siguiente suponía una evolución, respetando mínimamente las raíces de su éxito inicial, es decir, que tenía más detalles pero mantenía un halo de frialdad que lo mantenía interesante. Y ahora nos llega este nuevo X & Y, que viene a suponer un paso más... Es una pena que se hayan olvidado de la frialdad.

Horrible el abuso que hacen Coldplay de los sintetizadores. No es que le den un ambiente más frío... sino mucho más grandilocuente... como si pretendiesen salvar el mundo pidiendo a la gente que se dé la mano y griten todos a la vez... ¡Aleluya! Si hasta utilizan coros en "Fix you"... Pocos momentos se salvan del uso de los sintetizadores. Después tenemos "Speed of light", primer single del disco, cuya melodía de teclados apesta al "Clocks" del A rush of blood to the head... Las estructuras musicales se repiten una y otra vez, de forma que sabes también cuándo va a caer los horribles riffs de guitarra que intentan protagonizar las canciones.

Creo que han confundido frialdad y deprimente...

The Coral: Invisible Invasion (2005)

2006-02-07T00:03:00.000+01:00

The Coral no es la banda más original del mundo. Invisible Invasion es una mezcla entre sonidos de pop-rock suave y un toque de falsa psicoledia de los 60. Es como si unos cuantos órganos y alguna melodía desconexa y con eco fueran todo lo que se hizo en los 60 y 70. Aun así, asqueado como pueda estar de este intento de imitación barata, la cara pop de The Coral es de lo poco aceptable en el año en el que estamos (2006).

Instrumentalmente, el grupo no ofrece nada nuevo ni nada interesante. Nisiquiera son muy buenos tocando. Pero son consistentes. Nunca demasiado rápidos, pecan de melódicos y previsibles para ser propiamente psicodélicos. Aun así, un oído pop como el que produce She Sings the Mourning o In the Morning, merece ser reconocido. Personalmente, me defraudó bastante que A Warning to the Curious no estuviera basada en el relato del mismo nombre.

Blood red love knot, temptress eyes
Cuts right through the family ties
Lighthouse lights the locust's nest
Salem's site invites incest

Act to the glen where the roses twine
Treacle tarts and terpentine
Patron saint of guillotine
Secrets safe when no-one sees

And she sings the mourning

(She Sings the Mourning)

Cabe destacar de Invisible Invasion el tema Arabian Sand, que se acerca bastante más a los sonidos psicodélicos y progresivos de comienzos de los 70 (Pink Floyd, Led Zeppelin). Es posiblemente la mejor canción de The Coral que he escuchado, siendo una pena que no sea representativo. Hacen falta más canciones como ésta a comienzos de este tercer milenio. Por favor, perviértanse.

Backstreet Boys. Never gone (2005)

2006-02-06T15:23:00.000+01:00

¡Qué putada! ¡Han vuelto los Backstreet boys! Dudo que podamos encontrar una posibilidad de escapar de sus infumables baladas y de sus temas bailables con siete pelotazos de garrafón a palo seco...

Los signos anteriores eran positivos: uno de ellos con problemas con el alcohol, otro con problemas de salud importantes, un descenso de ventas en sus últimos trabajos... Pero nada... No ha habido suerte. Supongo que también algo de mérito tiene esta gente y que evidencia, más allá del incondicional amor patológico de sus fans, un mínimo de talento, al menos, de la gente que les hace los discos. En sus circunstancias, nadie habría dado un duro por ellos.

Utilizo como referencia, más allá de mis amargos recuerdos de adolescente, su recopilatorio "Chapter 1". Podría decirse que la banda ha evolucionado algo, pero siguen manteniendo el nivel y el estilo... Por ejemplo, el single elegido, Incomplete, es la típica canción de tío pureta a quinceañera con la que se acuesta y tiene que dejarla por la presión de la sociedad... O Never Gone, canción dedicada a sus fans, recordándoles que siempre han estado ahí... en espíritu...

En general, los temas no son tan infantiles como antaño, pero siguen siendo... difíciles de digerir... Musicalmente, no abusan tanto del "arambí", sino que optan por hacer un disco tradicional de pop infumable pero compacto y bien tocado, cosa que se agradece. Letrísticamente, demuestran que son una banda de tíos buenorros para adolescentes... Creo que el paso que han dado en este disco era lo mejor que podían hacer, cualquier otro movimiento habría significado su extinción definitiva como banda: un paso hacia la madurez.

Ciertamente, es preferible este "Never Gone" a toda su obra anterior. Y me temo que les tendremos para rato... Confiemos en que para bien.

Ashlee Simpson. Autobiography (2004)

2006-02-01T20:06:00.000+01:00

Eso. Tú tápate la cara... porque valiente mierda de disco has facturado...

En eso que estaba diciendo yo... ¿Y cómo es que no consigo ese disco con single que contenía ese intento de estribillo pegadizo que empezaba por un homenaje a García Márquez...

"¡¡¡Eeeeeeeeeeeeeehhhhhhh!!!"?

Semejante basura tenía que parar a mis manos...

El disco conserva una línea de coherencia a lo largo de sus más de cuarenta minutos de duración, con raros saltos de calidad. Corrección, carencia de talento y originalidad, y canciones simplonas son el resumen del estilo que esta chica que está básicamente por cuestiones familiares que por talento. Quizás "Undiscover" pueda considerarse la más pegadiza. Es una suerte, al menos es la que cierra el disco y no se despide con mal sabor de boca...

Yo dudo que ella misma hubiese estado de acuerdo en firmar un disco como este, y que se ha puesto en manos de sus managers... que sí saben cómo funciona este negocio... Eso sí, deberían enseñarle a cantar: Ya la han pillado dos veces haciendo playback...

Una garantía de mediocridad que no puedes dejar pasar.

A Hard Day's Night, The Beatles (1964)

2006-01-25T22:54:00.000+01:00

A Hard Day’s Night es una obra de pop suave y correcto. Despegándose de las raíces blues y más relacionado con un rock limpio, es un álbum fácil de escuchar. Las baladas más lentas y melódicas se entremezclan con las canciones levemente aceleradas y bailables. Obviamente hay ñoñadas como If I Fell, pero también canciones que pasarían por britpop del de nuestros dias (culpa de los músicos de nuestros días, no de The Beatles), como I Should Have Known Better. La instrumentación es correcta, pero no muy original, con algunos cambios de ritmo discretos pero hábiles y coros bien armonizados.

La canción principal del álbum es la que le da titulo, entrando con un acorde ‘casi ruidoso’ para pasar directamente a un rock pop bailable y pegadizo. Hay que reconocer que a diferencia de los grupos de pop actuales, que muy tranquilamente se pueden pasar canción tras canción aporreando secuencias de acordes, The Beatles muestran una cierta preocupación por encontrar alguna combinación de acordes rapidos con un ritmo que destaque (Tell Me Why, I’ll Cry Instead, Things We Said Today). Tal vez una de sus canciones mas lineales en cuestión de ritmo sea la rompedora Can’t Buy Me Love, lo cual se perdona, pues lo suplen con un par de silencios.

No hay virtuosismo guitarrero, cierto, pero no puedo negar que A Hard Day’s Night contiene bastantes mas solos de guitarra que el ultimo álbum de Metallica. Son sencillos y directos, breves y entran sin rodeos, pentatónicas aquí y allá, y a casa.

En cuestion de letras, bueno, no llegan muy lejos:

Well, it's the second time, I've caught you talking to him,
Do I have to tell you one more time, I think it's a sin,
I think I'll let you down. Let you down
and leave you flat,
Gonna let you down and leave you flat,
Because I've told you before, oh,
You can't do that.

(You can’t do that)

Obviamente el álbum es de orientación más que comercial. Ninguna de las canciones alcanza los tres minutos de duración y la experimentación brilla por su ausencia. No hay melodías difíciles, no hay sonidos nuevos. Eso no impide que canciones como A Hard Day’s Night, Can’t Buy Me Love o Things We Said Today simplemente suenen bien, sin mas problemas. Igual no aguantan la escucha tanto como cualquier álbum menos comercial, pues detalles, lo que son detalles, hay pocos. La producción es bastante cruda, pero no seca, nada que ver con el barroquismo de las posteriores producciones de The Beatles.

A pesar de lo comercial y una cierta sosez en cuanto a instrumentación, A Hard Day’s Night ofrece una agradable escucha de canciones sencillas, poco comprometidas y melódicas. Tiene opciones para sacar a las chicas a bailar.

Green Day. American Idiot (2004)

2006-01-22T15:55:00.000+01:00

Esto es lo que necesitaba el punk americano: una soberana patada en el culo y posteriores patadas en el suelo. Confiar el futuro de un subgenero a unos niños un tanto maleducados como Blink 182, Simple Plan o Good Charlotte era, cada cual con sus razones, como confiar en tirarte por la ventana y pensar que la gravedad te salve de la caida, por lo que sólo quedaban dos opciones: la resurrección de una banda veterana y quemada o la irrupción de una banda inexperta novata y mediocre pero con las ideas claras.

La crisis venía de lejos. Más allá de la empanada mental de la inmensa parte de la mayoría de bandas de punk, existía una falta de originalidad, de ideas, de mala leche... de todo lo que ha caracterizado el punk y que la habían llevado a tal situación. Bad Religion, NOFX, Rancid y demás ya habían cumplido su trabajo, y poco se les podía pedir a estas alturas. Green Day era la última banda que habría apostado para hacer un disco como este. Más bien me parecía una banda de punk pop más en decadencia (*), que únicamente sobrevivía gracias a la leyenda que creó en la mente de los adolescentes de mediados de los noventa (y entre los que me incluyo) con ese discazo de pop con guitarras llamado Dookie. Desde entonces, poco a poco, degeneraron hasta convertirse en una banda que arrastraba su nombre por cualquier estercolero, y que casi estaban orgullosos de ello... Hasta que a Bush le dio por invadir Irak.

El disco abre con la canción que le da título al disco, y que no deja de ser la típica canción contundente punk. Probablemente, de lo peor del disco. Pero, curiosamente, a partir de aquí, el disco empieza a subir. La siguiente canción ("Jesus of suburbia: Jesus of suburbia, City of the damned, I don't care, Dearly beloved, Tales of another broken home") está compuesta por fragmentos de canciones, llegando a perder nueve minutos y con momentos verdaderamente memorables. Holidays, canción gamberreta, va empalmada con Boulevard of Broken Dreams (¿homenaje a Los Secretos?), llegando a conseguir un contraclimax verdaderamente interesante. El disco sigue evolucionando, con momentos más rabiosos (dentro del estilo Green Day... no les vamos a pedir ahora que se conviertan en Sepultura) con momentos más ligeros, siendo el nivel general de las canciones fumable. Las letras son verdaderamente incendiarias. Como buenos progres, no les gusta ni el gobierno conservador ni la sociedad que les rodea. Sin embargo, la grandeza del album reside en la coherencia. Da la sensación de que, quitando el primer tema, todo está muy bien colocado, ordenado, con un fin claramente definido, más allá de la que pueda haber en las letras.

Junto al disco, permítanme la recomendación del videoclip de uno de los temas, "Wake me up when September ends", durísimo a la par que espectacular, con mensaje político incluido.

(*) La otra banda con pasado prácticamente idéntico es The Offspring, y aquel disco... Sí, tú también lo conoces...

Led Zeppelin: Houses of the Holy (1973)

2006-01-21T20:12:00.000+01:00

Houses of the Holy, el quinto álbum de Led Zeppelin es el primero que pasa de hacer canciones rock de toda la vida. Multitud de sintetizadores y teclados horteras empiezan a tomar el poder, las canciones se alargan y se mezclan los estilos. Se mezclan hasta el punto de hacer peligrar la cohesión del álbum, de hecho. Los instrumentos toman el protagonismo y la casi desagradable voz de Plant se pierde entre puentes y más puentes instrumentales. Las letras son tan malas como todas las letras de Led Zeppelin, aun así, han mejorado bastante en comparación con I o II, que casi por completo se reducían a los "baby baby", "yeah", "miss you babe" y poco más. Por ejemplo, las letras de No Quarter, obra maestra indiscutible de Houses of the Holy es un temprano exponente de lo que serán las letras de muchos grupos de metal:

Close the doors, put out the light
You know they won't be home tonight
The snow falls hard and don't you know
The winds of Thor are blowing cold
They're wearing steel that's bright and true
They carry news that must get through
They choose the path where no-one goes
They hold no quarter,
They ask no quarter.
(No Quarter)

¿Referencias a Tor, acero y lucha sin cuartel? Ahí, con dos huevos.

Houses of the Holy se abre con The Song Remains the Same, varias guitarras grabadas una sobre la otra, tempo acelerado y la mira puesta sobre la instrumentación. Rain Song, la segunda pista, es una mezcla de pedantería y cursilería, canción lenta y larga a modo de balada, con leve aumento de fuerza hacia el final. Suelo pasar a la siguiente pista, Over the Hills and Far Away, muy buena canción que comienza con guitarras folk y voz suave para pasar a ser la típica canción rock que Led Zeppelin tan bien dominan desde II. The Crunge es un error de funk experimental. Dancing Days tiene el típico riff de guitarra memorable (hey, son buenos para algo) y letras estridentes. D'yer Mak'er es una canción reggae con ritmillo y letras románticas, de hecho, me gusta más que cualquier canción reggae de un grupo de reggae. Es lo bueno de algunas incursiones (y lo malo de otras, como The Crunge).

No Quarter es el momento cumbre del álbum. Un sintetizador surge de la nada tocando una melodía confusa pero inquietante. Otro sintetizador se une para trazar lo que será la melodía del verso, y la banda entra en lo que vendrá a ser el estribillo. Es de las pocas canciones de Led Zeppelin que tienen un carácter y un ambiente tan distintivos. La guitarra de Plant toca un riff de rock que se funde perfectamente con el resto de la música, y le da cierta agresividad. La batería de Bonham es dura, lenta, sofocante. Los versos son casi inaudibles, tristes, los estribillos son coros agudos y largos, sollozos del Valhalla. El interludio incluye teclados limpios y un solo de guitarra distorsionado. Impresionante y épica, por sí misma, No Quarter hace del álbum uno merecedor de ser comprado.

The Ocean cierra Houses of the Holy con una de las baterías más pesadas que Bonham jamás tocara. El sonido de Zeppelin más reconocible que nunca.

No podría vivir sin una de las ocho canciones. Creo que eso no lo logran muchos álbumes, pero aun así, el resultado del álbum como un todo coherente, es cercano a la mediocridad.

Franz Ferdinand, Franz Ferdinand (2004)

2006-01-15T18:09:00.000+01:00

Ritmos descarados y pop. Poca vergüenza. Asi es como suenan las dos primeras canciones del primer álbum de Franz Ferdinand (Jacqueline y Tell Her Tonight). Si bien las letras no tienen nada de especial, y los riffs son más simples que el mecanismo de un globo, es como si hubiera algo fresco en el álbum. Tal vez es la batería, con un exceso de platos que le dan un aire funky al álbum, que por lo demás seria brit-pop de lo más normalito.

Algunas canciones se pegan a los oídos como un boomer a unas zapatillas. Take me out, si bien la letra da pena, es una canción bailable. Es penoso admitirlo, pero la batería y la guitarra cumplen su función. Si me viera obligado –por una mujer- a bailar una canción comercial, posiblemente seria esta. The Dark Of The Matinée es probablemente la mejor canción de Franz Ferdinand. Las letras son de relación chico/chica sin nada interesante que añadir, pero al menos son mejores que las otras. Supongo que parte de la gracia esta en que no se toman en serio a si mismos. El estribillo, por una vez es dedicado al mundo universitario:

Find me and follow me through corridors, refectories and files
You must follow, leave this academic factory
You will find me in the matinée
The dark of the matinée
It's better in the matinée
The dark of the matinée is mine
(The Dark Of The Matinée)

Auf Achse es una canción bailable sin más interés. Y la siguiente Cheating on you vuelve a las letras adolescentes y los riffs pseudos-punkies. Es de las primeras en las que se escucha una batería de rock de toda la vida. La próxima canción es This Fire, sin demasiado punto también. No es que las canciones sean malas, pero pierden mucho en comparación con las previas. Darts of Pleasure y Michael vuelven a subir un tanto el listón del álbum. Franz Ferdinand demuestran nuevamente su incapacidad para producir una rima a no ser que sea repitiendo la misma palabra al final de cada verso (surrender con surrender, eyes con eyes, passion con passion, etc.). Eso si, si escuchar a Franz Ferdinand es solamente una distracción mientras haces otra cosa, suena bien. Pero nunca, nunca te pares a escucharlo detenidamente. Lee un libro o juega a la Play de mientras.

En general Franz Ferdinand, el primer álbum de Franz Ferdinand es un buen intento de añadir algo nuevo a la música pop británica. Las tendencias de prostituir los sonidos del punk y el garage de los 60 se mantienen. Una pena que sacaran un segundo album.

El canto del loco. Zapatillas (2005)

2006-01-15T16:56:00.000+01:00

Último disco de los madrileños, que siguen igualando mediocridad y popularidad, y que ya a estas alturas deberían empezar a plantearse hacer algo en serio.

Pegajosos y poperos a muerte, las canciones (supuestamente) cañeras se intercalan con las (supuestamente) románticas... logrando una combinación bastante sosa y hasta predecible. ¿Las letras? Pues eso... que si soy muy malo, que si la sociedad me oprime, que si eres un idiota, que si paso de tí, que si me gustaría pasar el resto de mi vida contigo... no esperen la reencarnación letrística de García Marquez... A eso hay que añadir que son una banda de músicos muy limitados técnicamente, lo que los convierte en una banda carente de matices. El restultado es un disco parecido a un encefalograma a lo largo de un sueño profundo. Entre medias, tiene una canción llamada "El Pescao", cantada por el guitarrista... y un servidor hacía tiempo que no escuchaba una cosa tan indigerible desde... mejor no recordar. ¿Salvables? "Úsanos" y "Tal como eres"... El resto, prescindibles.

Dead Kennedys: Frankenchrist (1985)

2006-01-14T15:29:00.000+01:00

Frankenchrist es posiblemente el peor álbum de los Dead Kennedys. La frenética velocidad de Rotting Fruit for Fresh Vegetables y Plastic Surgery Disasters brilla por su ausencia. En lugar de ello, riffs de bajo y guitarra de estilo cinematográfico van y vienen por todo el álbum. Casi siempre me recuerdan a una película de espías o un western. En esto hay que concederle reconocimiento a Frankenchrist: al menos los Dead Kennedys supieron hacer un álbum de punk diferente.

La pista que abre Frankenchrist es Soup is Good Food una larguísima oda al desempleo, con un riff de bajo "casi" comercial y monótono y un coro genial durante los estribillos: "we don't need you anymore". Todas las canciones del álbum están entre los 3 y los 5 minutos de duración, lo cual lo hace sonar tremendamente lento y pesado. El tempo debe de ser la mitad que en previas producciones. Pero el mensaje político es mucho más claro, y los sarcasmos más agudos. Goons of Hazzard se introduce espectacularmente con guitarras del oeste y letras críticas. Ciertamente, en la creación de ambientes cuasi-psicodélicos de un manera sencilla los Dead Kennedys muestran su buen hacer.

Napalm rains no more
But the war goes on
Little brother died playing at the dump today
He found a new toy and held it up proud
Then it blew him to bits
(Chicken Farm)

Las letras alcanzan una crudeza y humor oscuros sin parangón en el álbum. Musicalmente es ambiguo. En apariencia estamos ante una popularización de un grupo de punk, con canciones en exceso largas y melódicas. Por otra parte, muchos de los riffs y ambientes son memorables, y las letras no tienen desperdicio. El hardcore vuelve en MTV Get Off the Air, crítica a la cadena televisiva, que más que producir cambio en la escena musical, se vuelve un mecanismo conservador. El humor y los interludios instrumentales -aun así- vuelven a estar presentes. Añadir que This Could be Anywhere hace una buena descripción de la vida del americano medio. El sarcasmo y la crítica están presentes en todo momento.

Sobre Jello Biafra. Igual su estilo vocal no es del gusto de todos. Realmente no chilla. Tampoco es que cante. Igual habla muy rápido (escúchese Drug Me del álbum Rotten Fruit for Fresh Vegetables) o habla vocalizando. Parte de la gracia está en cómo imita diferentes voces dependiendo del contenido de las letras. También es un compositor mediocre. Incapaz de tocar un instrumento, canta las canciones mientras el resto del grupo buscan riffs y acordes que funcionen. Algunos de los resultados son brillantes, eso sí.

¿Mediocres o brillantes?

U2. How to dismantle an atomic bomb (2004)

2006-01-10T21:52:00.000+01:00

No puedes hacer la reseña de un disco si te has enamorado y la canción que "eliges" para recordarla está dentro. Es como pretender realizar un jucio objetivo de la tía de la que te has enamorado... Da igual que te pongan delante dos famosas actrices porno en un cuarto cerrado y tiempo libre: Ella es la mejor.

El disco es una poperada de esas a las que estamos acostumbrados hasta las orejas. Lejos quedan ya aquellos tiempos en los que me recuerdo tatarear algo así como... How long... how long must we sing this song..., pero tampoco nos pongamos exigentes... los irlandeses han currado duro para llegar a que les versionen sus temas más populares mediante ritmos edulcorados hasta las axilas... el dinero pueden gastárselo perfectamente en antidepresivos y el equilibrio del Universo se mantendrá.

El disco es naftalinoso, correcto, con algunos detalles interesantes pero que al final acaban tirando del patrón de fábrica. Para empezar, no me gusta su tema de entrada, "Vertigo". Riff pegajoso, frases colocadas sin ninguna coherencia, acaba con un "yeh yeh yeh" repetido... Si supiésemos inglés, insultaríamos a Bono por marearnos con semejante basura de letra (pero como no sabemos, nos encanta y la tatareamos). Seguimos con "Miracle drug", que objetivamente es una puta mierda de canción, pero como me he enamorado y la he "elegido", pues me parece la mejor del disco. Y bueno... hay cosas agradables en "Sometimes you can't make it on your on", "Between a man and a woman" y "Original from the species". Yaweh, a pesar de ser una canción religiosa, tampoco está mal, especialmente por su "discreción". El resto, para el que le guste. Nota aparte merece el "Love and Peace or Else", que desentona tanto como si Malmsteen estuviese en el G-3.

U2 no deja de ser otra de las múltiples bandas que, cual oficinista durante media vida, sigue haciendo lo único que sabe hacer tras haber dejado en el pasado lo mejor de su talento: trabajar de modo sistemático (si quitamos los videoclips, siempre espectaculares, aunque tampoco se dediquen a la tarea). Podemos tomárnoslo a mal, como otra de esas bandas incapaces de vivir de algo más que no sea su pasado... o a bien... pensemos en el Saint Anger de Metallica...

Y... descuiden... ya se me ha pasado...

Papa Roach. Getting away with murder (2004)

2006-01-09T15:33:00.000+01:00

Detesto las bandas correctas. Entiendo que las bandas crezcan, que no se van a tirar toda la vida haciendo maquetas cutres y que deban madurar... pero quedarse en la corrección y olvidarse de decir o expresar algo nuevo es como pretender escribir El Quijote y quedarse en Los pilares de la Tierra. Nos enfrentamos a una obra correcta, carente del menor interés y, por lo tanto, una pérdida de tiempo. Esta es la principal lectura que saco de este Getting away whit murder, de los californianos Papa Roach.

Las pocas gotas interesantes (Take me, Getting away with murder) que puede tener este disco se diluyen en el marasmo de canciones breves, sosas... de esta música de horchata que hacen estos Papa Roach, de las que dicen que una de las mejores bandas de "Nü Metal"... Todo un síntoma.

Declaración de intenciones

2006-01-08T23:04:00.000+01:00

1.- Si no le gusta nuestra reseña, jódase. Que esto son dos días como para enfadarse por una discusión de música.

2.- No sabemos qué es una corchea, por lo que somos las personas más adecuadas para hablar de música.

3.- La música es algo subjetivo, que se manifiesta en que a la gente le guste la canción de la rana y a nosotros no. No pasamos de ahí: nuestra opinión. La verdad absoluta se la dejamos a Yngwee Malmsteen, raperos de barrio y demás "true".

4.- Tiene derecho a decir lo que le dé la gana. Y nosotros a que nos resbale, censurarle o reirnos a su costa.

5.- Que pueda gustarle un disco no quiere decir que el disco no sea una mierda. A nosotros nos encanta la mierda, y no entendemos porqué no le pueda pasar lo mismo a usted.

6.- De momento somos dos colegas, pero ello no quiere decir que el número no se amplíe.

7.- No somos ni mejores ni peores que nadie. Otra cosa es que usted no encuentre réplica a nuestro argumento.

Y bueno... creo que ya está... Disfrútenlo.